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Dune

Dune (2021) vs. Dune (1984) : Quelles sont les différences ?

Le classique Dune de Frank Herbert a été adapté à la fois par Denis Villeneuve et David Lynch, et les résultats sont étonnamment différents.

Dune (2021) vs. Dune (1984) : Quelles sont les différences ?

Sur des kilomètres s’étendant à perte de vue, des océans de sable sommeillent sous deux lunes. Au loin, deux personnages, une mère et son fils, traversent ce vaste gouffre de dunes dans leur quête de ces diables aux yeux bleus qu’ils appellent les Fremen. Mais alors que Paul Atreides et Lady Jessica avancent dans ce paysage hostile, ils réalisent qu’une créature – un monstrueux ver de sable de la taille d’un gratte-ciel – se dirige droit sur eux.

Suis-je en train de décrire la nouvelle adaptation par Denis Villeneuve du chef-d’œuvre littéraire de Frank Herbert, Dune, ou le précédent coup de poignard de David Lynch en 1984 sur le même sujet ? Honnêtement, dans ces moments-là, ils sont étonnamment similaires : des épopées voulues par des cinéastes déterminés à rendre justice à ce que beaucoup considèrent comme le meilleur roman de science-fiction jamais écrit. Et pourtant, le plus souvent, les différences sont aussi colossales que le désert d’Arrakis lui-même.

Largement détesté et rejeté en son temps par les critiques et le grand public – même son réalisateur n’était pas très fan du produit fini, retirant son nom des coupes télévisées prolongées – Dune de Lynch a acquis un statut de classique culte ces dernières années. En effet, vous avez probablement déjà vu des prises de position piquantes sur les médias sociaux où les gens déclarent que l’adaptation autrefois décriée produite par Dino De Laurentiis est supérieure au spectacle hollywoodien moderne dirigé par l’auteur oscarisé derrière Arrival et Blade Runner 2049.

Nous ne sommes pas là pour vous dire lequel vous devriez préférer (bien que nous ayons une nette préférence). Les deux films constituent plutôt une étude de cas fascinante sur la façon dont les différents choix effectués par des cinéastes différents, même s’ils travaillent dans le même but et avec le même matériau source, peuvent produire des résultats très différents. Vous trouverez ci-dessous les variations, grandes et petites, qui, une fois additionnées, créent des interprétations viscéralement divergentes d’un conte sur un garçon, un désert et l’épice melange…..

Comment la Saga de Dune est encadrée

La plus grande différence entre les deux films est que le film de Villeneuve n’est pas une adaptation de l’intégralité du roman de 1965. En fait, il ne couvre qu’environ la moitié du livre, se terminant à mi-chemin où Paul Atreides (Timothée Chalamet) et sa mère, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), ont été prudemment acceptés par un chef Fremen après que Paul ait tué un de leurs hommes en combat sacré.

Tous les éléments permettant à Paul d’être pleinement adopté par les Fremen, de les mener à un soulèvement coordonné contre la Maison Harkonnen, sa rencontre fatidique avec l’Empereur Padishah, et même de gagner le nom de Muad’Dib ont été laissés pour un second film. En tant que tel, nous ne comparerons pas les éléments laissés pour un second film au-delà de ce point. Cependant, le choix de Villeneuve de couper Dune en deux films semble déjà être un choix prudent par simple comparaison avec le film de Lynch.

Si le film de Lynch a ses fans, même le plus fervent admirateur admettra que la dernière moitié du film, en particulier le troisième acte, est un amas narratif vertigineux où une chose se produit après l’autre. Le rythme et la structure de l’histoire sont tellement lourds et difficiles à gérer qu’ils rendent l’intrigue impénétrable pour la plupart des nouveaux venus. C’est l’une des principales raisons pour lesquelles Gene Siskel et Robert Ebert ont déclaré que Dune faisait partie des pires films de 1984, Siskel le qualifiant de “dégoûtant inintelligible”.

Outre le fait qu’il ne tente pas de condenser l’histoire tentaculaire d’Herbert en deux, voire trois heures, le film Dune de Villeneuve fait un autre choix fascinant : il abandonne le dispositif d’encadrement du roman, dans lequel de nombreux chapitres sont préfigurés par un extrait d’un texte historique écrit par le personnage de la princesse Irulan dans un avenir lointain. Alors que Herbert présente les événements de Dune comme des événements historiques importants pour les classes patriciennes dirigeantes de son “Imperium” intergalactique, avec une princesse littérale qui enregistre les événements pour la postérité, le Dune de Villeneuve commence avec Chani, le personnage Fremen de Zendaya, comme narrateur.

Immédiatement, nous sommes invités à considérer les événements de Dune non pas à travers le regard des riches et de l’élite que l’histoire commémore si souvent, mais du point de vue des opprimés et des oubliés, comme les combattants Fremen de la liberté qui ont déjà fait couler le sang de la méchante Maison Harkonnen – les méchants de la pièce qui exploitent Arrakis au début du film. Puisqu’il s’agit en fin de compte d’une histoire sur la façon dont les puissants exploitent et manipulent de grandes populations pour obtenir des ressources naturelles, le fait de la voir du point de vue de ceux qui ont déjà la botte sur le visage donne un sentiment instantané plus viscéral au matériel. Cela amène également le spectateur à s’interroger sur les intentions des protagonistes du film, la maisonnée des Atreides, au cœur plus tendre, qui arrivent encore sur Arrakis en tant qu’intendants et gouvernants de la population indigène colonisée.

Lynch, en revanche, introduit sa version de l’univers par une décharge d’exposition. Le fait que cette exposition soit racontée par la princesse Irulan (Virginia Madsen) est en fait fidèle au roman, mais le dialogue est maladroit et lourd, probablement en raison du gros plan maladroit de Madsen devant un ciel étoilé (mais en réalité un écran bleu évident), résultat d’une note des producteurs après des projections tests. Ce sont ces mêmes notes qui ont conduit au choix désastreux en postproduction de faire raconter le monologue intérieur de presque tous les personnages par les acteurs dans des scènes où cela n’était jamais justifié.
Il est également intéressant de noter qu’après que Madsen ait expliqué la configuration générale de Dune (1984) dans le prologue du film, celui-ci passe à Kaitain, une planète jamais vue dans le roman original de Dune, pour présenter l’empereur Padishah Shaddam IV (José Ferrer) et sa fille Irulan qui conspire avec un homme-poisson. Si vous n’avez pas lu Dune Messiah (1969), le deuxième roman d’Herbert, vous ne pouvez pas savoir que les navigateurs de la Guilde de l’Espace ont muté en créatures-poissons en aspirant trop de mélange d’épices. Et si vous avez raté une ligne dans l’exposé de Madsen une minute plus tôt à propos de ce fait (ce qui a été le cas pour beaucoup), cette scène est un charabia de science-fiction totalement incompréhensible, et une façon assez maladroite de nous introduire dans le récit.

C’est pour cette raison qu’il faut encore une fois saluer l’élégance de l’approche de Villeneuve qui, après un prologue en voix off léger en jargon, nous introduit progressivement dans les concepts de science-fiction de Dune (2021), tout comme notre protagoniste Paul Atreides se familiarise avec eux. C’est en fait la façon dont Herbert s’y prend dans le roman, et c’est une meilleure approche que de jeter les spectateurs la tête la première dans le grand bain.


Caladan, la maison Atreides et Paul

Les deux films font des choix similaires dans la façon dont ils dépeignent Caladan en tant que paysage et lieu de naissance de Paul. Si Arrakis, la planète désertique sur laquelle nous passons la majeure partie de l’histoire, est terrifiante pour son soleil de plomb et sa chaleur sèche et impitoyable, il convient de mettre en valeur l’humidité et la verdure de Caladan. Chaque film dépeint Caladan comme étant perpétuellement couvert de nuages gris remplis d’humidité.

Et c’est là que nous rencontrons Paul et les personnes qui l’ont élevé. Chalamet et Kyle MacLachlan font tous deux un travail solide dans le rôle du jeune garçon héros, bien que l’interprétation de MacLachlan mette davantage l’accent sur cet héroïsme. Produit un an après Le Retour du Jedi, Dune de Lynch présente plus ouvertement Paul comme un Luke Skywalker à l’esprit frondeur, prêt pour l’aventure. Il entretient des relations plutôt légères avec tous les hommes de son père, notamment Gurney Halleck (Patrick Stewart), Thufir Hawat (Freddie Jones) et Duncan Idaho (Richard Jordan).

Le Paul de Chalamet est visiblement plus sombre et introverti que celui de MacLachlan. Bien qu’il soit impatient de commencer sa vie sur Arrakis, et qu’il puisse encore casser la figure du Gurney Halleck de Josh Brolin, il porte aussi plus lourdement ses responsabilités. Il convient de se demander si cela n’a pas quelque chose à voir avec l’orientation du voyage des personnages. Alors que Dune (1984) ressemble à un voyage traditionnel du héros (nous y reviendrons plus loin), la variation de Villeneuve embrasse très tôt le caractère faiblement tragique du Paul littéraire, qui sera sans doute accentué si et quand Villeneuve fera des suites.

De même, la façon dont Villeneuve dépeint la culture des Atrides sur Caladan a quelque chose de funèbre. La plupart des personnages portent du noir et du gris, ce qui donne l’impression d’un peuple austère. Cela a également conduit à des choix audacieux dans la conception de la production de Dune (2021), le monde de Paul étant rempli de maçonnerie en pierre et de meubles en bois lourd. Cela souligne la qualité féodale de cette société et la longue histoire de la famille de Paul. En revanche, la technologie et l’apparence de la maison Atreides dans Dune (1984) relèvent davantage de l’esthétique traditionnelle des films de science-fiction des années 1980. Cela dit, les costumes sont assez intéressants dans le film de Lynch, la Maison Atreides ressemblant à une sorte de société militariste européenne du 19e siècle, digne de la Prusse ou de l’Empire ottoman, sur sa planète d’origine, puis ressemblant davantage à une dictature du Moyen-Orient de la fin du 20e siècle lorsque les Atreides arrivent sur Arrakis.

La famille Atreides et ses courtisans sont également très différents. Jurgen Prochnow et Oscar Isaac apportent tous deux une lassitude barbue au duc Leto Atreides, mais la dame Jessica de Rebecca Ferguson est beaucoup plus dominatrice et autoritaire sur sa maison que la version de Francesca Annis du même personnage. La Lady Jessica de Dune (1984), comme beaucoup de personnages féminins de cette version, est souvent une observatrice passive des événements au lieu d’être une participante importante. C’est un choix étrange puisque Jessica accompagne Paul tout au long de son voyage dans le premier roman, ce qui explique peut-être pourquoi la première fois que nous voyons Paul ne pas rêver dans Dune (2021), c’est sa mère qui l’instruit sur les méthodes de sorcellerie du Bene Gesserit, établissant ainsi leur dynamique mère/fils inhabituelle avant de le voir interagir avec qui que ce soit d’autre.

Villeneuve fait également un superbe travail en rendant les serviteurs d’Areides plus intéressants individuellement. C’est particulièrement évident dans le cas de Duncan Idaho, qui est censé être le grand frère de substitution de Paul et son modèle ultra cool. Bien qu’il soit interprété par un grand acteur dans la version de 1984, Duncan Idaho n’est pratiquement pas présent dans le film et a peut-être été victime d’importantes retouches en post-production. Pendant ce temps, Villeneuve a recruté l’acteur de super-héros le plus époustouflant de ces dernières années, Jason Momoa, qui a un charisme aussi chaud que n’importe quel désert. Son Duncan est tellement plus grand que nature qu’il devient en fait la seule source d’amusement typique des superproductions, ce qui fait que sa mort a une plus grande signification plus tard dans le film.


La maison Harkonnen et le baron

C’est ici que les différences entre les deux versions de Dune commencent à devenir flagrantes. Et pour beaucoup, la perte de la vue aurait pu être préférable à la façon dont le baron Vladimir Harkonnen est dépeint par l’acteur Kenneth McMillan et la légion de prothèses appliquées sur lui par les maquilleurs de Lynch. Le personnage du baron Harkonnen est décrit comme un vieil homme grotesque, obèse et lascif dans le roman d’Herbert, et Lynch se délecte de cette image et amplifie ensuite sa laideur implicite.

En plus de souligner la taille du personnage en le faisant porter un costume moulant qui ressemble à une couche-culotte trop grande, Lynch lui donne également des lésions répugnantes sur le visage, comme s’il avait eu de l’acné dans son enfance et l’avait laissé s’envenimer pour devenir un véritable parasite. La lubricité répugnante du personnage pour les jeunes garçons dans le livre est également accentuée par Lynch, qui fait une grande scène du Baron qui semble violer un jeune esclave mâle pendant qu’il fait la cour avec ses neveux, et qui tue ensuite visiblement le garçon en le saignant à mort – c’était une fioriture lynchienne que le Baron force tous ceux qui sont sous son contrôle (y compris inexplicablement lui-même ?) à avoir leurs mamelons transformés en bouchons de vin glorifiés, qui, lorsqu’on les tire, saignent la victime à mort en un instant.

Pourtant, malgré toute cette grossièreté, l’interprétation du méchant par Lynch et McMillian est tellement exagérée et caricaturale qu’il ressemble finalement à un clown dégoûtant plutôt qu’à un cerveau maléfique – un personnage qui passe plus de temps à glousser sur sa vilenie qu’à faire preuve d’une quelconque impitoyabilité machiavélique capable de massacrer une famille entière.

Ce qui pourrait expliquer la détermination de Villeneuve à prendre ses distances avec ce genre de méchanceté. Le Baron Harkonnen de Stellan Skarsgård est toujours en surpoids et dépend de la technologie de l’anti-gravité pour déplacer son corps du point A au point B. Cependant, son immensité est souvent masquée ou simplement suggérée, Skarsgård jouant le rôle d’un personnage sobre et calculateur en très gros plan. Un peu à la manière d’un Brando des temps modernes, ce Baron est silencieux mais inexplicablement plus grand que nature, dominant tous les autres acteurs de la scène.

Villeneuve et sa compagnie ont également supprimé les éléments homophobes et pédophiles du personnage, qui sont présents dans le roman. En fait, la prunelle des yeux du baron, son propre neveu Feyd-Rautha (interprété de manière mémorable par la rock star Sting dans le film de 1984), a été totalement supprimée pour le premier volume de Villeneuve. Au lieu de cela, le cinéaste se délecte de la noirceur oppressante du monde du Baron, évoquant apparemment H.R. Giger dans le design menaçant de la production. Giger était censé concevoir le monde du Baron dans le film Dune d’Alejandro Jodorowsky, qui n’a jamais été réalisé. C’est donc Giger qui a conçu la créature du titre et le vaisseau spatial extraterrestre du film Alien (1979) de Ridley Scott.

Franchement, il n’y a pas d’univers où la version de Villeneuve du Baron et de son Giedi Prime ne soit pas supérieure à celle de Lynch, même si j’admets que j’aime bien les foyers verts que Lynch utilise dans un plan d’ensemble en matte painting.


Le Bene Gesserit, les Mentats et le World Building

Mais si le Baron est la première distinction notable entre les deux films Dune, il n’est aussi qu’un des nombreux choix qui distinguent les approches entre les interprétations de Villeneuve et de Lynch. Et comme pour le Baron, les impulsions semblent être partagées entre une retenue royale et une grandiloquence presque comique.

Une partie de cette différence est simplement due à la différence des effets spéciaux, qui, après presque 40 ans de progrès, semblent presque injustes à comparer. Par exemple, les boucliers à champ de force que les membres les plus riches des maisons Atreides et Harkonnen utilisent ont l’air bien mieux en 2021, comme une seconde peau translucide plutôt qu’une tache optique insérée sur la copie du film. Mais cela est dû en partie aux différences technologiques, ainsi qu’au fait que Villeneuve dispose d’un important budget hollywoodien et que Lynch a été contraint de composer avec les moyens relativement plus limités qu’implique le fait de travailler en dehors des six grands studios de l’époque. (Cela dit, Villeneuve a fait preuve d’un instinct astucieux en faisant en sorte que les boucliers s’illuminent en bleu lorsqu’ils dévient un objet et en rouge lorsqu’ils ne le font pas, ce qui permet de signaler plus facilement la différence aux spectateurs non initiés quant à la façon dont ils sont censés fonctionner).

La meilleure façon d’apprécier cette esthétique est peut-être de considérer comment l’étrangeté de l’univers d’Herbert est construite et développée entre les deux films. Dans le Dune de Lynch, tout est grossièrement dessiné jusqu’à la caricature. Les mentats, les personnes élevées depuis leur naissance pour devenir des superordinateurs humains, ont des cheveux et des maquillages sauvages qui les font ressembler à des rockeurs glamour atteints de syphilis. Alors que Villeneuve donne à Stephen McKinley Henderson le plus léger des maquillages sur les lèvres et un effet d’œil numérique occasionnel pour suggérer un autre monde. Il est également demandé à Henderson de jouer un mentat comme un personnage sage et grand-père plutôt que comme un large portrait dickensien du snobisme.

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Dans le même ordre d’idées, le Bene Gesserit apparaît radicalement différent, même s’il fonctionne de la même manière dans l’histoire. Dans le film de Lynch, la plupart des membres de haut rang se rapprochent de l’ambiance visuelle de bizarrerie spatiale du Baron Harkonnen. La Révérende Mère Mohiam de Silvana Mangano semble particulièrement conçue pour suggérer une esthétique androgyne et asexuée, le costume sombre attirant l’attention sur sa tête chauve. Même ses sourcils sont rasés. Lady Jessica adopte également ce look après être devenue la Révérende Mère de la tribu Fremen sur Arrakis. Et pourtant, il y a là quelque chose de régressif et d’archaïque. Il semble suggérer que pour accéder au pouvoir, Jessica doit renoncer à sa féminité traditionnelle, caractérisée par la perte de ses cheveux. Lynch semble également associer la sexualité à ce commerce, d’où l’importance accrue qu’il accorde au statut de concubine de Jessica auprès du duc Leto et (comme dans le livre) le fait qu’elle se fie autant à sa sensualité qu’à “la Voix” pour manipuler et échapper aux hommes du baron après qu’elle et Paul ont été capturés.

Le Bene Gesserit de Villeneuve, en revanche, s’appuie également sur le côté étrange et métaphysique de la construction du monde de Herbert. Cependant, plutôt que de s’appuyer sur les apparences physiques ou la sexualité (ou son absence), Dune (2021) met l’accent sur la sorcellerie de ces personnages, telle qu’elle est comprise dans la tradition de l’horreur populaire issue de la culture européenne. Lorsque la Révérende Mère Mohiam (Charlotte Rampling) arrive sur Caladan dans la nouvelle adaptation, elle et son ancienne élève, Jessica, sont vêtues de capes noires fluides et de coiffes qui rappellent un faible souvenir collectif de la façon dont le concept fictif de sorcière a été dessiné pendant des siècles. Même la partition de Hans Zimmer dans ces scènes ressemble aux chants entendus à la fin de The Witch (2016) de Robert Eggers.

Et lorsque la Lady Jessica de Ferguson utilise la Voix, il n’y a rien de séduisant ou de suggestif à ce sujet. En fait, la façon dont sa voix développe une qualité démoniaque grattée, comme si ses cordes vocales étaient étirées le long d’une corde de violon, est assez effrayante. Et lorsqu’elle l’utilise pour échapper à l’emprise des Harkonnen, c’est avec la dureté de la sorcière blanche de C.S. Lewis qu’elle ordonne à sa proie de “le tuer… Donne-moi le couteau”.

Tout cela confère au monde de Dune de Villeneuve un caractère ancien et inquiétant, comme s’il existait depuis des millénaires, avec une histoire et des traditions que nous ne connaîtrons jamais. À l’inverse, le monde de Lynch semble n’exister que dans le cadre de l’histoire qu’il est en train de raconter ; il est opératique et mélodramatique, mais n’a de sens qu’au moment où il se produit. Ne vous demandez pas trop pourquoi le Baron a créé un interrupteur de mort instantanée sur son propre corps, ou comment quelqu’un peut prendre ces Mentats au sérieux. C’est censé être un gros et voyant “film de science-fiction”, d’accord ?

Les Fremen et leur Messie

Il est quelque peu ironique que la culture qui est essentielle à la narration du Dune littéraire d’Herbert n’ait pas encore été pleinement explorée sur le grand écran. Dans le cas de Villeneuve, il a laissé cela pour une éventuelle “deuxième partie”, qui pourrait ou non voir le jour. Et dans le cas de Lynch, les Fremen ont été largement laissés sur le carreau ou hors du scénario puisque dans la version théâtrale de 130 minutes du film, ils n’entrent pas vraiment dans l’intrigue avant les 90 minutes.

Néanmoins, le peu que nous voyons des Fremen dans les deux films indique, une fois encore, un ensemble de priorités différentes. Dans les deux films, la présence des Fremen est surtout révélée par les visions de Paul et le personnage du Dr Liet Kynes. Dans le film de Lynch, ainsi que dans le roman, le Dr Kynes est un vieux serviteur de la cour impériale qui est devenu autochtone après avoir vécu sur Arrakis pendant 20 ans. Il est habilement interprété par Max von Sydow dans ce film, mais en raison de la narration précipitée de la seconde moitié du film, il disparaît plus ou moins de l’image après avoir été condamné à mort par le Baron. Le Dr Kynes de Sharon Duncan-Brewster, dont le sexe a été inversé, est également joué par une femme noire, mais il développe davantage l’autorité et la compassion inhérentes au personnage du livre.

Nous voyons le Kynes de Duncan-Brewster lutter pour ignorer la situation critique de la Maison Atreides et finalement accepter d’aider le jeune Paul et sa mère après qu’ils soient devenus des exilés dans le désert. Sa mort a également plus de poids que la façon dont Kynes meurt hors-champ dans le film de Lynch ou même dans le livre, ce Kynes invoquant un ver des sables pour la dévorer, elle et ses assassins. Le caractère réfléchi de cette révision témoigne de la manière dont la culture Fremen a été subtilement réimaginée dans le film de 2021.

En termes d’apparence, les personnages sont plus multiculturels, contrairement aux descriptions apparemment caucasiennes des Fremen dans le livre, et à la blancheur absolue de l’ensemble du casting dans le film de 1984. Mais il s’agit également d’un film dans lequel un homme blanc joue le seul rôle non-blanc du livre, celui du Dr Yeuh. Outre le fait que les premiers personnages Fremen importants du film de 2021 sont joués par des acteurs d’origines diverses, dont Javier Bardem, Zendaya et Babs Olusanmokun, la nouvelle tribu Fremen semble plus développée et étrangère à la compréhension du monde de Paul et Jessica.

Villeneuve embrasse les influences moyen-orientales de la vision d’Herbert pour les Fremen. Bien que son film évite sensiblement le mot “djihad”, qui est utilisé librement par les Fremen et Paul dans le livre et dans le film de 1984, des mots d’inspiration arabe apparaissent dans le scénario, ainsi que des allusions à une culture religieuse d’inspiration islamique sur Arrakis lorsque nous arrivons dans la ville d’Arrakeen et que nous assistons aux prières quotidiennes.

Mais surtout, les personnages Fremen ont beaucoup plus de pouvoir dans le film de 2021. Alors que nous n’avons vu qu’un soupçon de leur culture, il y a une plus grande réticence de la part de Stilgar et de ses compagnons Fremen à croire que Paul est une figure messianique. Jamis défie même Paul en duel, ce qui n’est pas le cas dans le film de 1984. La Chani de Zendaya est également plus méfiante à l’égard de ce jeune Paul Atreides. C’est un changement notable par rapport à la Chani de Sean Young, qui, comme beaucoup de rôles féminins dans l’adaptation originale, est sous-écrite et vide – attendant d’être balayée.

Mais cette description pourrait s’appliquer aux Fremen eux-mêmes, qui acceptent avec empressement le leadership de Paul en 1984, y compris par le biais de l’apprentissage d’une arme sonique vocale inventée par Lynch pour son film. Et à la fin du film, leur idolâtrie est plus ou moins justifiée puisque le dénouement révèle que Paul est vraiment une figure messianique magique, qui fait même tomber la pluie dans le désert.

Bien que nous n’ayons pas encore vu comment le Paul de Chalamet gagnera les Fremen, nous imaginons qu’il aura beaucoup plus d’espace pour respirer – et qu’il n’aura pas besoin de s’appuyer sur des exploits de miracle christique non plus.


Quel que soit le type d’épice que vous aimez

Il est probablement clair, si vous avez lu jusqu’ici, que je penche davantage pour le film de 2021 que pour son prédécesseur de 1984. Néanmoins, il y a des charmes à trouver dans les deux films. Le film de Lynch est le produit d’une production de série B avec des aspirations de film de série A, qui a été financée dans le sillage de Star Wars. La grandeur des idées et des images de Lynch se heurtant aux limites de son époque crée une juxtaposition attachante et kitsch pour beaucoup. De plus, il y a quelque chose de réconfortant et de nostalgique dans les effets spéciaux des années 80 et ce merveilleux thème de Toto, n’est-ce pas ?

Villeneuve dispose d’une technologie plus avancée et d’un budget plus important pour réaliser ses propres “visions”. Il a su tirer les leçons des erreurs de Lynch et ne pas tenter de faire entrer une surabondance d’histoire dans une durée conventionnelle. Ses photographies IMAX gargantuesques ont aussi un côté grandiloquent, mais il y a aussi une subtilité que certains trouveront probablement prétentieuse. Pour en revenir à la musique, elle peut être aussi révélatrice que le fait qu’au lieu d’opter pour un groupe de pop rock pour le thème principal, Villeneuve a fait appel à Hans Zimmer pour “inventer” de nouveaux instruments et sons pour la culture Fremen. Une approche vous plaira probablement plus que l’autre. Tant que l’épice coule toujours, l’une ou l’autre façon de se rendre sur Arrakis vaut le coup. Non ?

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