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Les meilleurs films animation 2021

En dehors des œuvres bien-aimées de Hayao Miyazaki et du Studio Ghibli, les films d’animation ont parfois mauvaise réputation auprès des amateurs de cinéma. Il n’a pas non plus les mêmes connotations de qualité qu’un authentique produit Disney. Mais avec quelques films animation incroyables en 2021 – allant de l’alpinisme béat à un mastodonte du box-office, en passant par un projet passionnel étrange et la fin de l’ère Evangelion – l’année de l’animation a également été, du point de vue de la qualité, une année d’anime. Il n’est pas possible d’exclure le poids lourd qu’est Disney, mais avec la réorientation de cette société vers le mélange de super-héros en prises de vues réelles et animées, on a l’impression que son animation familiale et celle de sa filiale Pixar ont été rétrogradées. Néanmoins, il y a ici quelque chose pour tout le monde, que vous cherchiez à prendre un risque avec quelque chose d’étrange et de délicieux, que vous soyez jeune ou vieux, novice en matière d’anime ou fervent adepte. Si vous aimez simplement les dessins animés, nous avons également quelque chose pour vous.

Voici nos choix pour les 10 meilleurs films d’animation de l’année :

10. Encanto

Disney et Lin-Manuel Miranda ont tous deux eu de meilleurs spectacles cette année (Raya et le dernier dragon ; In the Heights), mais les bénédictions d’Encanto – comme celles de Mirabel, le seul membre de la famille Madrigal sans capacités magiques – sont agréablement subtiles. Sous les chansons hyper-Miranda (“Surface Pressure” cède le plus profondément à ses tics d’écriture, mais “We Don’t Talk About Bruno” montre à quel point il est doué pour la complexité accrocheuse) et le réalisme exacerbé de ses personnages se cache un conte de fées luxuriant, hanté non pas par de méchantes sorcières ou d’ignobles dragons, mais par les difficultés du passé et les craintes pour l’avenir. Les réalisateurs Jared Bush et Byron Howard élaborent une histoire mature de conflits familiaux qui n’effraiera pas les enfants, en l’emballant soigneusement et spécifiquement dans la jungle colombienne. Grâce à l’étonnante polyvalence de Stephanie Beatriz, qui chante, charme et plaisante comme si elle avait déjà été une princesse de Disney, et à quelques excellents soutiens (le pronostiqueur dépréciateur de John Leguizamo vole chaque scène), le récit déjà léger avance rapidement. Encanto n’est pas la plus flashy ou la plus déchirante des comédies musicales traditionnelles de Disney, mais elle est vive et intelligente – et ses miracles pourraient vous accompagner plus longtemps que vous ne le pensez.


9. Cryptozoo

Le vibrant film d’animation Cryptozoo de Dash Shaw explore le principe souvent fantasmé de la coexistence des cryptes et des humains, s’inspirant davantage de Jurassic Park que de ses homologues animés grand public comme Zootopia. S’intéressant à l’exploitation de la fantaisie et de l’imagination pour la consommation humaine, le film d’animation psychédélique et manifestement adulte de Shaw fait entrer les rêves éveillés dans la réalité brutale et violente que ses contemporains du genre ont l’habitude d’ignorer. L’univers présenté dans le film du dessinateur/scénariste/réalisateur Shaw – animé dans un style qui ressemble à un roman graphique prenant vie – est notre mémoire collective du mouvement de la contre-culture des années 60, mais avec une modification clé qui bouleverse la réalité : Toutes les créatures légendaires du folklore humain vivent parmi nous, rarement vues mais perpétuellement chassées en raison de leur forte demande sur le marché noir. Mettre fin à la maltraitance de ces créatures est l’œuvre de la vie de Lauren Gray (Lake Bell), qui traque les cryptiques maltraités et blessés et les transporte au Cryptozoo-un parc d’attractions vivant à San Francisco où ces êtres sont exposés ou employés, en fonction de leur proximité avec les aptitudes humaines. Si l’idée fantastique de cryptides partageant la Terre avec la faune existante stimule l’imagination, le point crucial de Cryptozoo est de transposer ce principe charmant dans notre société hypercapitaliste actuelle, en montrant avec quelle facilité notre système sanguinaire étouffe ce qui est nettement différent et extraordinaire. Lauren n’est qu’une des nombreuses caricatures de la contre-culture de la Bay Area des années 60 – incarnée par une litanie de comédiens alternatifs et d’acteurs de films indépendants tels que Michael Cera, Jason Schwartzman et Zoe Kazan – aux côtés d’un couple de hippies idéalistes qui, dans une scène brutale du début du film, apprend une dure leçon sur l’imposition d’attitudes humaines simplistes au monde naturel complexe. La critique du capitalisme formulée par le film s’accorde avec sa vision négative des mouvements contre-culturels américains, arguant que la marchandisation de ces mouvements les dissuade d’opérer un quelconque changement ; les parallèles avec le monde réel sont évidents.-Natalia Keogan


8. Raya et le dernier dragon

De son jeu d’épée complexe et excitant à sa description détaillée de styles et de cultures sous-utilisés par la maison de la souris, Raya et le dernier dragon est l’une des meilleures aventures d’action de Disney. Sa première incursion dans un environnement d’Asie du Sud-Est mêle ses films de “princesses” traditionnels à une quête de type “Kubo et les deux cordes”. Raya (Kelly Marie Tran), après qu’une tragédie de jeunesse ait laissé son père (Daniel Dae Kim) transformé en pierre et son pays fracturé, doit sauter de communauté en communauté – rassembler les morceaux d’un joyau magique et de nouveaux membres d’équipe excentriques – pour que Sisu (Awkwafina), le dernier dragon, puisse dépétrifier tout le monde et remettre le monde en ordre. Au cœur du film, les scénaristes Qui Nguyen et Adele Lim donnent une leçon bien intentionnée mais mal appliquée sur la confiance, expliquée presque comme un argument en faveur du désarmement nucléaire : l’animosité mutuelle ne s’améliorera pas si personne n’est prêt à faire le premier pas. Mais tout cela n’est qu’une excuse pour nous faire découvrir certains des meilleurs travaux environnementaux de l’ère 3D de Disney et certaines de ses meilleures séquences de combat. Un final confus mais audacieux empêche Raya d’être un tour de force, mais il vaut quand même la peine de faire le tour de Kumandra.-Jacob Oller


7. le film de Bob l’éponge : L’éponge en fuite

Il y a de nombreuses raisons pour lesquelles Bob l’éponge a survécu à plus de deux décennies d’amour indéfectible et de pertinence dans la culture pop. Cela tient en partie à la positivité et au ridicule permanents de Bob l’éponge (Tom Kenny), de Patrick (Bill Fagerbakke) et de toute la population de leur monde. Les personnages sont autoréférentiels, cohérents avec leurs traits de caractère et les auteurs ont toujours créé une dualité d’expérience : La bêtise pour les enfants et une ascension sournoise de l’esprit qui s’adresse directement aux téléspectateurs plus âgés. Le mode dans lequel le comique est servi doit avoir tout cela présent pour fonctionner. Le réalisateur et scénariste Tim Hill (qui a également écrit le film original de 2004, The SpongeBob SquarePants Movie) l’a compris dans cette première présentation entièrement en 3D. Hill et son équipe d’artistes – y compris Mikros Image, qui est responsable de l’animation CGI – jouent intelligemment en introduisant une transition subtile pour la vue dans l’ouverture de Bob l’éponge en fuite. Les superbes images de synthèse photoréalistes du monde sous-marin font place à la palette de couleurs familière et à l’aspect stylisé du coin d’océan de Hillenburg, mais avec plus de présence et de détails tactiles. Qu’il s’agisse de la bave d’escargot de Gary qui ressemble à de la glu tangible ou des rayures dans le dôme respiratoire de Sandy Cheeks, le film ne cherche pas à submerger le public avec des cloches et des sifflets technologiques. Au lieu de cela, il présente les personnages et le monde comme une occasion de découvrir le familier sous un jour nouveau, comme apprécier l’échelle minuscule d’un Plancton généré en 3D par rapport à sa rage explosive, qui le rend d’autant plus hilarant. En tant que nouvelle évolution de l’univers de Bob l’éponge, le film Bob l’éponge : Bob l’éponge en cavale est un plongeon gracieux et bien exécuté de l’orteil jaune dans les eaux de la 3D. Il y a un respect général pour les personnages et le ton, et un mérite artistique dans la façon dont ils intègrent le médium dans les normes de la série pour présenter le surréel et l’étrange. Est-ce que cela fait avancer l’éponge ? Probablement pas, et ce n’est pas grave. Il y a quelque chose d’intemporel à ce que Bikini Bottom reste tel quel, les spin-offs et les nouvelles séries servant de terrains de jeu appropriés pour de nouvelles formes de narration. Sponge on the Run partage avec amour la différence, mais n’enlève rien à ce que beaucoup connaissent et aiment.-Tara Bennett


6. Demon slayer: Kimetsu no Yaiba the Movie : Mugen Train

Une nouvelle série animée fait fureur auprès du public : Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba. La série suit Tanjiro, un jeune homme en quête de vengeance contre les démons qui ont massacré sa famille. Dans sa quête, il rejoint le Corps des tueurs de démons – la force qui a juré de protéger l’humanité des démons – et apprend la voie des tueurs de démons grâce à un entraînement intensif. Pourtant, la série va bien au-delà de la vengeance : Elle traite de la découverte de la famille, du traitement du chagrin, de la gestion des traumatismes et de la force intérieure. Au milieu des magnifiques chorégraphies de combat et de l’animation, on trouve des moments calmes et émotionnels qui donnent aux personnages une complexité que l’on ne voit pas souvent dans les mangas orientés vers les hommes ou les shonen. Aujourd’hui, plusieurs mois après la fin de la première saison à succès, le public américain peut découvrir le film de clôture de la saison, Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba the Movie : Mugen Train. Mugen Train commence avec Tanjiro (Natsuki Hanae) et ses compagnons Zenitsu (Hiro Shimono) – un chat effrayé perpétuel – et Inosuke (Yoshitsugu Matsuoka) – qui porte un masque de sanglier et a un tempérament explosif – embarquant dans le Mugen Train pour leur prochaine mission. Une fois dans le train, le trio retrouve Rengoku (Satoshi Hino), un soldat de haut rang du Corps des tueurs de démons aux techniques de combat expertes, pour recevoir leur prochaine mission. Il y a quelque chose de démoniaque à bord qui consume les passagers et c’est à ce groupe de quatre qu’il revient de protéger ceux qui sont dans le train. Ils apprennent aussi rapidement que cette menace est plus qu’un démon ordinaire, mais un démon beaucoup plus puissant qui peut manipuler les rêves. Le ton de ces séquences varie à la fois dans le sujet et dans le style d’animation, et pourtant tout se tient, car chaque rêve – et son esthétique – apprend au public encore plus de choses sur ces personnages, leur passé et leurs désirs les plus profonds. Mugen Train est un régal pour les yeux avec ses couleurs vives, son mélange de styles d’animation et ses environnements méticuleusement conçus qui mettent en valeur l’action. C’est un film magnifique qui élargit l’univers de Demon Slayer, mais parce qu’il est canonique et qu’il fait le pont entre les saisons, ce n’est pas un film destiné aux nouveaux venus dans la franchise.-Mary Beth McAndrews


5. Flee

“Fuir.” C’est un impératif, un titre en un mot qui dit au public ce qu’une personne doit faire pour se sauver d’une prise de pouvoir culturelle par des barbares avec trop de fusils : Foutez le camp de Dodge. Courez pour sauver vos vies. Fuyez. Le nouveau film du documentariste danois Jonas Poher Rasmussen anime la vérité d’un homme, Amin, l’ami de Rasmussen, qui, pour la première fois dans sa vie d’adulte (et dans sa relation avec Rasmussen), a décidé de s’ouvrir sur la période où lui et sa famille ont quitté la ville lorsque les talibans ont pris le contrôle de Kaboul. Il est déjà assez difficile d’être une personne non fondamentaliste en Afghanistan avec ces fous qui contrôlent le pays. Mais c’est encore pire d’être à la fois une personne ordinaire, non fondamentaliste et un jeune homme gay caché. Et cette morosité inévitable s’adoucit et s’aiguise à travers la présentation du film. En utilisant l’animation pour reconstituer le périlleux voyage d’Amin de l’Afghanistan au Danemark, avec des arrêts en cours de route en Russie et en Estonie, Rasmussen a une façon de superposer la cruauté stupéfiante qu’Amin endure et observe sur le chemin de la sécurité avec un jeu électrique : Même les pires images de la vie réelle gagnent une certaine exubérance lorsqu’elles sont recréées à la main. Mais le film comprend les souvenirs d’Amin, et la mémoire humaine étant ce qu’elle est – à la fois fidèle, floue et défectueuse – les qualités alchimiques occasionnelles si intrinsèques à l’animation en tant que médium mettent ces souvenirs en relief. C’est peut-être la seule façon pour Amin d’affronter son passé. L’animation a aussi la faculté de donner l’impression d’être plus vivante que le film en prise de vue réelle, ou d’être vivante à sa manière, ce qui rend la noirceur de Flee encore plus sombre. Mais surtout, Rasmussen laisse Amin raconter son histoire à sa façon. L’animation ne sert finalement que de vernis. Même à travers les couches d’artifice, ce que ce film nous montre est peut-être l’une des histoires de réfugiés les plus poignantes du cinéma.-Andy Crump

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4. les Mitchells contre les Machines

Les clivages générationnels animés n’ont jamais autant ressemblé à un carnaval de science-fiction que dans Les Mitchells contre les Machines. Le premier long métrage du scénariste et réalisateur Mike Rianda (il a fait ses armes avec le co-scénariste et réalisateur Jeff Rowe sur la série Gravity Falls, une série effrayante et stupide) est à la fois absurde, attachant et terrifiant. Il est facile de se sentir aussi perdu ou submergé par les lumières clignotantes et les vues exaltantes que la famille centrale qui se bat d’un côté du match de rancune du titre, mais il est tout aussi facile d’en sortir avec la joie épuisée d’une longue et lasse sortie dans un parc d’attractions. La famille de ce film, qui appartient à un genre particulier, éclate dans chaque cadre désordonné et plein à craquer, comme si elle essayait de s’échapper (c’est souvent le cas), et crée ainsi la comédie animée la plus énergique et la plus attachante de l’année. Et sa prémisse commence si humblement. La cinéaste et animatrice Katie (Abbi Jacobson) quitte la maison pour aller à l’université et, pour s’y rendre, doit faire un voyage en voiture avec sa famille : Rick (Danny McBride), son père luddiste et amateur de plein air, Linda (Maya Rudolph), sa mère pacifiste, et Aaron (Rianda), son petit frère dino-fou. Vous pouvez deviner que Katie et son père ne sont pas toujours d’accord, même lorsque Katie n’a pas les yeux rivés sur son téléphone ou son ordinateur portable. Ce technocriticisme, où le “temps d’écran” est une expression sale et où la figure paternelle, bâtisseuse de bâtons, veut que sa famille fasse l’expérience du monde réel, pourrait être aussi bidon que la douzième saison d’une sitcom de Tim Allen. The Mitchells vs. the Machines échappe à ce danger non seulement grâce à une nuance intentionnelle dans son écriture, mais aussi grâce à une bonne vieille anti-nuance : Au milieu du voyage, les sociétés technologiques maléfiques se plantent et des robots fabriqués à partir de téléphones décident d’envoyer tous les humains dans l’espace. Ce film avait besoin de quelque chose d’aussi important sur le plan narratif pour soutenir ses superbes images de cuisine. Le film de Sony utilise certaines des technologies qui ont permis à Spider-Man : Into the Spiderverse d’être si nettes et uniques, en ajoutant des ombres comiques à ses images de synthèse expressives. En fait, lorsque certaines des scènes les plus étranges se déroulent, vous ne seriez pas surpris de voir Miles Morales intervenir pour sauver la situation. L’interprétation de l’esthétique de Spidey par Mitchells vs. the Machines vient de Katie, une obsédée des mèmes et des films, dont l’imagination se fraye souvent un chemin dans le monde réel et dont les croquis bizarres, aux néons et aux filtres, ornent la palette déjà excitante du film d’une bizarrerie explosive. Ce style unique et astucieux se marie bien avec le slapstick merveilleusement bien dosé de Mitchells vs. the Machines, qui s’écrase et se fracasse avec une violence inattendue, le tout équilibré par un carlin vraiment ringard et de nombreux apartés visuels qui se moquent de tout ce qui se passe.


3. On-Gaku : our sound

Être un adolescent dans une ville de banlieue peut être atrocement ennuyeux. Sans variété dans la routine, tout semble inutile. Mais parfois, quelque chose apparaît qui bannit cette monotonie et insuffle de l’enthousiasme à une existence autrement terne. Cette découverte peut être révélatrice ; la vie peut soudainement avoir un but. C’est le cas du trio de délinquants dans l’incroyable premier film de Kenji Iwaisawa, le film d’animation On-Gaku : Our Sound, ils découvrent la catharsis et le pouvoir de la musique. On-Gaku : Our Sound est la lettre d’amour du scénariste et réalisateur Iwaisawa au pouvoir de la musique et au manga du même nom de Hiroyuki Ohashi. Au fur et à mesure que le film progresse dans ses numéros musicaux, Iwaisawa expérimente la forme (comme la rotoscopie expressive) alors que certaines chansons évoquent différentes émotions chez ses personnages, qu’il s’agisse d’une chanson folklorique aimable ou d’un rockeur primitif qui se répercute dans la poitrine de l’auditeur. En contraste avec le style visuel, l’humour pince-sans-rire phénoménal rappelle les comédies animées américaines des années 90 comme Beavis and Butthead ou King of the Hill. Kenji, en particulier, incarne ce ton, à la fois par ses répliques prononcées par la légende du rock japonais Shintarô Sakamoto et par son design qui comprend un regard implacable, une fine moustache qui zigzague sur sa lèvre supérieure et un crâne chauve et brillant. Bien qu’il soit lycéen, la voix grisonnante de Sakamoto donne à Kenji l’image d’un vieil homme fatigué qui a tout vu, alors qu’il n’est en réalité qu’un adolescent qui s’ennuie, fume trop de cigarettes et regarde trop la télévision. La passion propre à Iwaisawa remplit cette comédie de flemmards décontractés de beaucoup de cœur et d’une magnifique variété de styles d’animation.-Mary Beth McAndrews


2. Evangelion 3.0+1.0 : Thrice Upon a Time

Depuis 1995, Neon Genesis Evangelion a pénétré la conscience culturelle avec ses robots géants, ses adolescents angoissés et ses références bibliques ésotériques. C’est l’histoire de Shinji Ikari, un jeune garçon destiné à piloter un robot géant appelé Unité-01 dans un futur où des créatures appelées Anges sont destinées à détruire l’humanité. Mais Shinji résiste à son destin, se plaignant à chaque instant et se figeant dans l’indécision alors que la survie de l’humanité repose sur ses épaules. Il s’agit véritablement d’une franchise unique en son genre, fruit du génie et de la profonde dépression de Hideaki Anno. C’est une franchise qui l’a tourmenté pendant plus de 25 ans, passant d’une série à une série de films qui s’efforçaient de réécrire une fin insatisfaisante. Aujourd’hui, Anno en a enfin terminé. Avec la sortie de son dernier film Evangelion, Evangelion 3.0+1.0 : Thrice Upon a Time, le temps des Anges est arrivé à son terme. Thrice Upon a Time est le quatrième film de la série Rebuild of Evangelion, qui reprend intégralement les événements de la série originale. Le dernier film de l’univers de Shinji, Asuka, Rei et des EVA n’est peut-être pas le meilleur endroit pour les novices de la franchise pour commencer, mais il devrait être une grande source de motivation. Il est rare que les franchises d’anime se terminent sur une note aussi parfaite, mais Anno montre que c’est possible avec Evangelion 3.0+1.0 : Thrice Upon a Time. Après avoir passé des décennies à se débattre avec la signification de cette série pour lui et à l’utiliser comme un mécanisme pour traiter son propre bagage émotionnel, Anno a finalement trouvé une fin à son monde brisé, plein d’angoisse et d’espoir. C’est un souffle de soulagement, un sanglot étouffé de fierté qui ponctue une étape culturelle importante. Avec la sortie de ce film, Anno est enfin libre.-Mary Beth McAndrews


1. Le Sommet des Dieux

Basé sur le manga de Jiro Taniguchi du début des années 2000, qui a ajouté au roman de Baku Yumemakura de 1998 des illustrations environnementales à couper le souffle et des dessins de personnages aux ombres nettes, Le Sommet des dieux est un témoignage de la motivation personnelle à travers les histoires entrelacées de deux hommes : L’alpiniste Joji Habu (Eric Herson-Macarel) et le journaliste Makoto Fukamachi (Damien Boisseau). L’anime français du réalisateur Patrick Imbert voit les deux hommes se croiser grâce à un légendaire appareil photo Vestpocket Kodak appartenant à George Mallory, l’alpiniste anglais qui a peut-être atteint le sommet de l’Everest dans les années 20. Fukamachi voit Habu avec l’appareil photo, puis le perd. Fukamachi veut un scoop, Habu veut qu’on le laisse tranquille alors qu’il se prépare à sa propre ascension. Dans sa recherche du reclus, Fukamachi compile la vie de Habu, construisant son arc obsessionnel événement par événement à travers des coupures de presse retrouvées. Avec cette structure entrecoupée, Le Sommet des Dieux est à la fois un grand film de journalisme et un grand film d’alpinisme, chacun comportant une série d’étapes techniques qui contiennent un poids émotionnel impossible à expliquer complètement à un étranger. Pourquoi cherche-t-on le sommet ? Pourquoi se consacrer à la recherche de tous les détails d’une histoire ? Ces objectifs solitaires sont autant personnels que professionnels. Le résultat final est clair, mais le raisonnement derrière tout cela devient rapidement obscur et existentiel lorsqu’on l’examine de près. La clarté de l’animation permet d’apporter des réponses simples à ces grandes questions. Les couleurs majestueuses et brumeuses de la nature – des bleus et des violets éclatants – contrastent avec la vie quotidienne dans les appartements, les bars et les rues de la ville qui ont perdu tout romantisme. Ces dernières sont utilitaires dans leurs détails, si richement remplies de choses réalistes qu’elles vous abrutissent de familiarité. Puis le film vous emmène dans les expéditions, à travers les yeux des gens qui vivent pour cela. Les séquences d’escalade comportent des plans si austères et si stratifiés de boues et de rayons de soleil que leur abstraction picturale vous laissera la mâchoire suspendue dans la neige. Et pourtant, d’un instant à l’autre, c’est le détail du craquement du piton dans la pierre – des nœuds de corde astucieux et du frottement musculaire des mains et des pieds – qui est pris en charge par des personnages qui se déplacent avec une intention délibérée, leurs animations étant suffisamment lourdes pour laisser des traces de pas et des mini-avalanches de cailloux. Le Sommet des dieux est un film subtil, raconté en nuances de blanc et en degrés de silence, mais sa passion brûle sous le givre. Sa narration complexe et ses panoramas d’une beauté convaincante font bien valoir ses arguments philosophiques : Que vous risquiez tout pour atteindre un sommet, pour percer un mystère ou pour créer une pièce d’animation minutieuse, vous avez la chance d’avoir quelque chose que vous aimez.-Jacob

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