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meilleur film 2021

Les meilleurs films en 2021

Notre équipe et nos lecteurs sélectionnent leurs coups de cœur cinématographiques de l’année écoulée. Qu’il s’agisse de mentats ou de comédies musicales, de super-héros ou de superbes films d’horreur, voici le meilleur film de 2021.

C’était censé être l’année où les films sont revenus. Avec la pandémie qui semblait se résorber (pour un temps) et les cinémas qui rouvraient leurs portes dans le monde entier, votre cinéma local offrait un trésor d’options, des vieux favoris fiables aux méga franchises hollywoodiennes, en passant par des moments de répit où de nouvelles voix et histoires prenaient le devant de la scène.

Les meilleurs films en 2021

Douze mois plus tard, les choses ne se sont manifestement pas passées aussi bien que nous l’espérions tous. Si l’activité des multiplexes a rarement été aussi importante pour les super-héros et les grosses boules de glu extraterrestre, la plupart des autres types de films ont pris un coup, du moins sur grand écran. Malgré tout, l’année a été importante pour le cinéma dans son ensemble, le public ayant toujours droit à une abondance d’excellence, que ce soit au cinéma ou en streaming à la maison. En effet, la notion même de ce qu’est le cinéma a été brouillée par certaines des meilleures expériences de streaming de 2021.

Voici donc un classement et une célébration des meilleurs films de l’année, tels qu’ils ont été décidés par notre équipe et par vous, chers lecteurs.

25. Black Widow

La superspy du SHIELD incarnée par Scarlett Johansson a enfin droit à son film solo… quelques années après avoir été tuée à l’écran dans Avengers : Endgame. Oui, Black Widow est un prequel, qui étoffe l’histoire d’origine de Natasha sans perdre de temps avec les tropes des films de super-héros. Au lieu de cela, la réalisatrice Cate Shortland propose quelque chose de beaucoup plus proche d’un film d’action traditionnel que ce que nous avons vu jusqu’à présent de la part de Marvel Studios, notamment une spectaculaire scène de combat prolongée dans une poursuite en voiture qui compte parmi les séquences les plus palpitantes jamais livrées par le MCU.

Black Widow est d’autant plus amusant que Florence Pugh incarne Yelena Belova, qui est là pour s’assurer que l’héritage de Black Widow se perpétue dans les futurs projets de la franchise. Yelena est si convaincante, et la performance de Pugh si charismatique, qu’elle gagne instantanément sa place en tant que nouveau visage brillant du MCU. – Mike Cecchini


24. tick, tick… BOOM!

Le talent apparemment inépuisable de Lin-Manuel Miranda a atteint de nouveaux sommets cette année lorsque l’auteur-compositeur-acteur multi-hypothétique s’est révélé être un réalisateur astucieux via tick, tick… BOOM ! Rare adaptation cinématographique d’une pièce de théâtre qui dépasse ses origines scéniques, le film de Miranda atteint un état de grâce en transformant le one-man-show de Jonathan Larson en un biopic musical poignant sur l’artiste en difficulté qui a créé Rent et est mort la veille de sa première représentation.

tick, tick… BOOM ! partage l’espace avec de nombreux récits sur l’artiste désespéré qui choisit la souffrance plutôt que la sécurité, mais Miranda aborde le matériau avec une affection authentique ainsi qu’une connaissance amère qui a échappé à la version cinématographique de Rent et à une adaptation hollywoodienne de sa propre œuvre plus tôt cette année. Il est aussi énormément aidé par le tour de force d’Andrew Garfield. Vulnérable et arrogant, dégoûtant et grégaire, Garfield n’a jamais été aussi bon que lorsqu’il ramène Larson d’entre les morts, ce qui est d’autant plus impressionnant quand on sait qu’il n’est même pas un chanteur naturel. Malgré cela, ce n’est rien de moins qu’un sommet dans sa carrière. – David Crow


23. Zola

Nous ne sommes pas sûrs de ce que nous pensons des films basés sur des fils Twitter en règle générale, mais il se pourrait que ce ne soit que la vieillesse qui parle. Parce que c’est exactement ce qu’est Zola, et c’est sauvage : une combinaison racoleuse de thriller criminel et de comédie bizarroïde basée sur un fil de 148 tweets d’une employée de restaurant et strip-teaseuse réelle nommée Aziah “Zola” King, qui a ensuite été transformé en article dans Rolling Stone. Dans ce récit étrange, Zola (Taylour Paige) est convaincu par une nouvelle amie, Stefani (Riley Keough), de faire un voyage en voiture de Détroit à la Floride pour un spectacle de strip-tease lucratif, mais ce voyage se transforme en une excursion surréaliste et dangereuse impliquant la prostitution, le meurtre et une foule de personnages peu recommandables.

Bien que la vraie Zola ait admis avoir embelli certains aspects de son histoire, elle n’en reste pas moins fascinante dans le deuxième long métrage très stylisé et palpitant de la réalisatrice Janicza Bravo. Paige et Keough sont intrépides dans les rôles de Zola et Stefani, tandis que Colman Domingo inspire une véritable frayeur dans le rôle du “colocataire” de Stefani, qui s’avère être son proxénète. Il peut être difficile de trouver beaucoup de choses à admirer chez ces personnages – on peut se demander à quoi pensait Zola, même si elle est inébranlable et raisonnablement vertueuse, lorsqu’elle s’est lancée dans ce voyage avec des inconnus – mais Zola vous aspire dans son monde miteux comme un rythme de club irrésistible. – Don Kaye


22. Spencer

Qui était Diana Spencer ? Bien qu’elle soit l’une des personnes les plus célèbres de la fin du XXe siècle, et que l’histoire de sa vie soit entachée d’une tragédie et d’une éternelle fixation médiatique, il subsiste une mystique insaisissable entre les rapports contradictoires et les narrations partiales. Et c’est dans cette ambiguïté que Spencer de Pablo Larraín s’épanouit. Cette spéculation hautement fictive sur la dernière nuit de Noël partagée entre la princesse Diana (Kristen Stewart) et le prince de Galles (Jack Farthing) est un biopic dans un microcosme – une vie vécue dans un aquarium, vue ici à la loupe.

Cette approche non conventionnelle en a rebuté certains, mais pour nous, il s’agit d’un portrait d’une honnêteté unique : la vie d’une famille royale n’est ni un drame digne, ni une satire campagnarde. Spencer est un film d’horreur psychologique, qui a plus en commun avec Repulsion qu’avec The Crown. L’approche donne la parole aux angoisses qui ont poursuivi Diana jusqu’à sa perte, tout en laissant suffisamment de place, dans le cadre d’un long week-end, pour laisser respirer les nombreuses complexités de la femme, telles qu’elles sont réalisées par un Stewart saisissant. S’agit-il d’un portrait de la vraie Diana ? Qui sait vraiment, mais il lui rend justice tout de même. – DC


21. The Card Counter

Ne vous fiez pas au titre : le scénariste et réalisateur Paul Schrader a bien d’autres choses en tête que les subtilités d’un double bluff dans Le compteur de cartes. L’histoire d’un joueur de poker professionnel de troisième zone, un petit joueur (Oscar Isaac) qui ne veut jamais faire monter les enchères, mais le cœur aigre-doux du film de Schrader, qui fait suite à First Reformed, nominé aux Oscars, est la façon dont il déploie ses véritables intentions et explore les cicatrices laissées par les traumatismes, la honte et même la trahison générationnelle.

Le William d’Isaac porte de profonds secrets qui, une fois mis à nu, peuvent soit sauver, soit condamner le jeune homme (Tye Sheridan) qu’il tente de mettre sur une meilleure voie. Quelle que soit l’issue, le cinéaste et l’ensemble de ses acteurs parviennent à une sorte d’absolution cinématographique, trouvant la dignité dans des décennies d’horreur, comme en témoigne chaque regard blessé sur le visage d’Isaac, et sur les visages qui le regardent en retour, qu’ils soient sinistres comme le Gordo américain souriant de Willem Dafoe ou prudents, mais ouverts, comme Tiffany Haddish, qui joue à contre-courant en tant que seule arnaqueuse capable de soutenir ses paris. – DC


20. The Night House

On peut affirmer que La Maison de la nuit est le meilleur film d’horreur de 2021. Le film du réalisateur David Bruckner (The Ritual) met en scène Rebecca Hall dans le rôle d’une enseignante qui pleure le suicide apparent de son mari, pour découvrir qu’il cachait des secrets, à la fois dans la maison qu’il a conçue pour eux et dans la région reculée au bord du lac où il l’a construite. Rien ne se déroule comme on pourrait s’y attendre, et le dénouement du film est à la fois effrayant et émouvant.

The Night House remplit de nombreuses conditions pour que les grands films d’horreur se distinguent du reste du genre : un personnage auquel on s’attache, le sentiment que la menace extérieure est une manifestation ou un reflet du conflit interne ou de la douleur du protagoniste, et un véritable sentiment d’effroi et de malaise parsemé de véritables frayeurs. The Night House possède tous ces atouts, ainsi qu’une performance typiquement brillante de Hall dans le rôle d’une femme qui passe par le chagrin, la rage et finalement la compréhension. Félicitations à Hall et à Bruckner pour avoir livré un film d’horreur de grande classe que trop peu de gens ont vu. – DK


19. Nightmare Alley

Avec cette adaptation/remake du roman de 1946 de William Lindsay Gresham et du film de 1947 qui en est tiré, Guillermo del Toro livre son meilleur film depuis Le Labyrinthe de Pan, en 2006. Cela ne veut pas dire que ses autres films – y compris La Forme de l’eau, qui a remporté le prix du meilleur film en 2017 – étaient médiocres, mais plutôt que Nightmare Alley atteint presque tous les objectifs que certains autres ont manqué en cours de route. D’une durée de deux heures et trente minutes, le film avance rapidement, tout en brûlant lentement, à travers son intrigue tortueuse, et nous présente une série de personnages mémorables interprétés par une distribution parfaite.

Bradley Cooper incarne Stan Carlisle, un escroc de bas étage qui trouve par hasard un emploi d’ouvrier de carnaval en 1939 et découvre bientôt le secret d’une escroquerie qui touche les plus hautes sphères de la richesse et du pouvoir. Le message du thriller noir de del Toro est clair : le pouvoir et la cupidité détruisent tous ceux qui y touchent, et la seule chose que l’on trouve au bout du chemin est généralement quelqu’un de meilleur que soi. La reconstitution par le réalisateur d’un cirque ambulant de l’époque de la dépression est impeccable, et même lorsque le film se déplace dans les couloirs du pouvoir des grandes villes, on a l’impression que les monstres sont toujours aux commandes, mais en pire. Ce film remarquable de Del Toro est son premier film sans éléments fantastiques ou surnaturels, mais il est tout aussi effrayant. – DK


18. Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings

Porté par la performance saisissante du vétéran du cinéma hongkongais Tony Leung, Shang-Chi et la légende des dix anneaux a été l’un des plus grands succès de l’année pour ce qui est sans doute le plus grand studio de cinéma du monde. Non seulement il a offert aux fans du MCU quelques-unes des meilleures scènes de combat et d’action de l’histoire de la franchise, mais il s’est appuyé sur un casting diversifié d’acteurs asiatiques et américano-asiatiques, apportant une inclusion plus significative dans un MCU qui en a désespérément besoin.

Le film suit Simu Liu dans le rôle de Shang-Chi/Shaun, un homme qui a fui son père violent, Wenwu (Leung), le chef immortel de l’organisation criminelle des Dix Anneaux. Ainsi, lorsque les Ten Rings viennent prendre le puissant pendentif que sa défunte mère lui a laissé, Shang-Chi est ramené dans le monde de son père, avec sa meilleure amie Katy (Awkwafina), qui agit comme un substitut du public dans ce monde de magie des arts martiaux.

Shang-Chi utilise une structure d’intrigue de super-héros relativement familière, mais le film est rehaussé par une distribution exceptionnelle, une chorégraphie de combat impeccable et une volonté thématique d’explorer l’expérience de la diaspora asiatique. Bien que le film souffre du problème courant du MCU, à savoir un troisième acte surchargé et visuellement confus, le point culminant du film comprend à la fois un dragon et Michelle Yeoh, ce qui signifie qu’il y a encore beaucoup à célébrer dans cette fin désordonnée. Avec Shang-Chi, le réalisateur Destin Daniel Cretton a réussi à construire un nouveau coin du MCU, un coin qui semble excitant et frais avec des possibilités narratives. Ce faisant, il a également réalisé l’un des films les plus agréables de l’année. – Kayti Burt

17. In the Heights

Depuis des décennies, les comédies musicales connaissent des hauts et des bas, tant en termes de qualité que de recettes, et cette tradition s’est poursuivie en 2021. Mais pour chaque échec créatif comme Dear Evan Hansen, il y a eu une expérience vibrante, passionnée et joyeuse comme In the Heights. Basé sur le spectacle de Broadway de Lin-Manuel Miranda et Quiara Alegría Hudes (qui a également écrit le scénario du film), le film de Jon M. Chu éclate à l’écran avec un zeste et une énergie indéniables, tout en offrant un regard doux sur le jeune amour et une vision émouvante de la vie dans une communauté d’immigrants moderne.

La distribution comprend Anthony Ramos, Leslie Grace et Melissa Barrera dans des rôles marquants. Corey Hawkins, Jimmy Smits, Daphne Rubin-Vega et surtout Olga Merediz dans le rôle d’Abuela Claudia (un rôle qu’elle a créé sur scène) apportent un soutien formidable à travers leurs personnages rapidement esquissés mais hauts en couleur. Certes, il y a des moments larmoyants, mais In the Heights est si sérieux, si honnête et si plein d’amour pour ses personnages, sa danse et son environnement qu’on ne peut s’empêcher d’être emporté par la pièce. Il n’a pas touché un public massif lors de sa sortie initiale ; espérons que cela sera rectifié dans les années à venir. – DK


16. Psycho Goreman

Psycho Goreman de Steven Kostanski est un film d’horreur de science-fiction hilarant, dégoûtant et parfaitement conçu de 99 minutes. Il s’agit de tous vos rêves et cauchemars de location de VHS et de pochettes d’albums de heavy metal qui reviennent à la vie en criant. Mélange parfait d’horreur brute des années 80, d’effets pratiques en caoutchouc et de créatures extraterrestres conçues avec amour, Psycho Goreman est l’antidote parfait aux sensibilités stériles de tant de superproductions modernes. Si vous n’avez pas encore fait l’expérience de cette histoire pas du tout réconfortante qui raconte ce qui arrive lorsque deux enfants inadaptés déterrent accidentellement un monstrueux seigneur de guerre extraterrestre qui n’a d’autre choix que de leur obéir, vous allez vous amuser. – MC


15. Last Night in Soho

Last Night in Soho d’Edgar Wright est le plus beau cadeau aux histoires de fantômes depuis Le Sixième Sens de M. Night Shyamalan, et son rebondissement final est peut-être encore plus subversif. C’est un rêve devenu cauchemar, qui s’écarte du récit de l’âme piégée et propose une variation incisive sur l’autonomisation des femmes, aussi perversement justifiée soit-elle. Quelqu’un est mort dans chaque pièce de chaque immeuble du légendaire quartier de Soho à Londres, et chaque esprit a une histoire à raconter.

Dans ce contexte, Eloise (Thomasin McKenzie), une étudiante en pleine ascension dans le domaine de la mode, ne se contente pas de parler aux morts, elle est inspirée pour créer des ensembles parfaits pour des fantômes tels que Sandie (Anya Taylor-Joy), une chanteuse de boîte de nuit au magnétisme éthéré. Mais certaines couleurs sont destinées à s’entrechoquer dans ce spectacle d’horreur au néon aux accents giallo. Wright évoque les esprits d’anciens celluloïd comme Le Carnaval des âmes, Suspiria et Repulsion de Roman Polanski. Même le film de John Landis, Un loup-garou américain à Londres, transparaît à travers les rêves dans les rêves qui se transforment en missions nocturnes lucides et mortelles.

Mais la raison pour laquelle cela fonctionne si bien est que Last Night in Soho est une célébration. C’est une lettre d’amour flagorneur au Londres swinguant. Une cinématographie brillamment évocatrice capture les lumières, les ombres, le brouillard et les stroboscopes palpitants tandis que Wright donne le rythme. Dès qu’Eloise pose l’aiguille sur le tourne-disque vintage Dansette, le film est transporté au pays des 1 000 danses. Wright invoque des spectres sonores de Soho de 1965 et de Londres d’aujourd’hui. Le titre du film lui-même provient d’un single de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich. Venez pour les fantômes, restez pour les chansons. Mais attardez-vous dans l’obscurité chatoyante pour vous émerveiller devant l’icône la plus vengeresse de l’époque, Diana Rigg, dans son dernier rôle. – Tony Sokol

14. The Suicide Squad

Pendant des mois, James Gunn a promis qu’il avait un contrôle créatif total sur Suicide Squad, son reboot doux et joyeusement dément d’une franchise vieille d’à peine cinq ans. Il n’en reste pas moins que c’est une surprise perverse de voir le réalisateur de Slither et Super entièrement livré à lui-même dans le domaine des super-héros. Nous avons adoré ses films Les Gardiens de la Galaxie, et Gunn apporte à TSS un accent similaire sur les personnages et la motivation. Mais cette fois, il n’a pas à se soucier d’un public de moins de 13 ans ou des exigences d’un modèle de studio spécifique.

C’est pourquoi Suicide Squad de Gunn ressemble à un retour aux films d’aventure d’antan, qui mélange le pathos des histoires d’hommes en mission des années 60 avec le gore et l’excès du spectacle de sang et de biceps des années 80. Cependant, à travers tout cela, Gunn révèle une véritable affection pour les perdants et les laissés-pour-compte de la société, permettant à des personnages comme “Polka-Dot Man” et “Ratcatcher” (magnifiquement interprétés par David Dastmalchian et Daniela Melchior) de voler un film avec des icônes de la franchise comme la Harley Quinn de Margot Robbie – offrant la meilleure représentation en live-action de la folie joyeuse de Harley. Tout cela débouche sur l’un des films de grands studios les plus subversifs de l’année. Qui aurait cru qu’un film avec une étoile de mer géante et déchaînée pouvait être si attentionné ? – DC



13. The Tragedy of Macbeth

Sur le papier, l’idée d’un frère Coen dirigeant Denzel Washington et Frances McDormand dans une nouvelle version de l’une des pièces les plus connues de Shakespeare est une évidence… et devinez quoi ? C’est aussi une évidence à l’écran. Joel Coen, qui travaille en solo pour la première fois de sa carrière depuis la retraite annoncée de son frère Ethan, se tourne vers l’histoire classique d’ambition politique, de meurtre et de folie du Barde. Et il transforme le matériau en une œuvre cinématographique de toute beauté : un cauchemar expressionniste, créant une fusion surréaliste de la scène et du film qui réimagine la pièce écossaise en un véritable film d’horreur.

Comme on pouvait s’y attendre, Washington et McDormand sont sensationnels dans le rôle de Macbeth, condamné et corrompu, et de sa femme également perdue, et quel plaisir de les entendre interpréter les vers immortels de Shakespeare. Félicitations également au reste de la distribution, dont Corey Hawkins, Harry Melling, Bertie Carvel et Brendan Gleeson, mais une attention particulière doit être accordée à Kathryn Hunter, dans une performance physique étonnante dans le rôle des trois sorcières. La conception sonore, la cinématographie et l’imagerie sont toutes de premier ordre. – DK


12. No Time to Die

Et si James Bond voulait être plus que James Bond ? C’est un postulat plutôt audacieux pour une franchise qui, depuis plus d’un demi-siècle, fait commerce des fantasmes masculins et de ce que l’on pourrait appeler des notions démodées de la masculinité. Pourtant, c’est exactement ce que Daniel Craig et l’armée de collaborateurs d’Eon Productions tentent de faire avec No Time to Die, le cinquième et dernier film de 007 avec Craig dans le rôle de Bond. Et ce qui est encore plus impressionnant, c’est qu’ils y parviennent avec enthousiasme et avec un culot qui a été largement absent pendant l’ère Craig.

Certes, Craig est la pièce maîtresse de cette épopée de Bond, offrant la performance la plus complexe et la plus sombre jamais réalisée à l’écran. Mais le réalisateur et co-scénariste Cary Joji Fukunaga injecte également un peu de fantaisie et de gaieté dans les procédures, faisant de ce film une aventure plus vivante qu’au moins les trois derniers films de Bond, ainsi qu’un film qui améliore rétroactivement l’austère Spectre (2015) en faisant l’impensable pour cette série et en donnant suite à un premier rôle féminin avec le Dr Swann de Léa Seydoux et à un méchant précédemment gaspillé avec le Blofeld de Christoph Waltz. Il présente également certaines des séquences d’action les plus dynamiques de l’année, comme une éblouissante poursuite en moto et en Aston Martin à travers l’Italie et un showstopper cubain où Ana de Armas prouve qu’il n’y a pas de petits rôles en volant un film de trois heures en 15 minutes.

C’est le meilleur divertissement pop-corn que vous puissiez avoir au cinéma cette année, même s’il est audacieusement le premier film de Bond en 50 ans à vous laisser en larmes. – DC

11. Pig

Chaque fois que l’on croit savoir où va Pig, il renverse les attentes, se révélant plus sincère et patient que prévu. Le réalisateur Michael Sarnoski, qui en est à son premier long métrage, aurait pu facilement transformer le principe – un homme qui cherche à récupérer son cochon truffier volé – en une imitation bon marché de John Wick, avec un Nicolas Cage gonzo dans le rôle de Keanu. Au lieu de cela, Pig offre quelque chose de profondément humain et complexe sur le plan émotionnel, explorant le deuil, le ressentiment familial et l’artifice du monde de la haute cuisine.

Le cadre unique du film, dans lequel Cage joue le rôle d’un ancien chef rock star de la scène gastronomique de Portland qui s’est retiré dans les bois pour s’isoler, à l’exception de la compagnie de son cochon de chasse et d’un acheteur de produits alimentaires nommé Amir (Alex Wolff), offre au public la possibilité de tirer ses propres conclusions. C’est un film à l’aise avec son ton méditatif et son étrangeté décalée. Mais le véritable pouvoir vient de Cage. C’est une performance discrète qui s’inspire de la vie réelle de l’acteur.

Tout comme son chef, le temps passé dans la nature nous a amenés à sous-estimer Cage et à oublier son immense talent d’acteur lorsqu’on lui donne le bon matériel. Pardonnez le jeu de mots, mais lorsque vous laissez l’homme cuisiner, il peut vous offrir quelque chose d’inattendu et d’indéniablement savoureux. – Nick Harley


10. The Worst Person in the World

Tout le monde est la “pire personne au monde” de quelqu’un, et dans la comédie dramatique du réalisateur norvégien Joachim Trier, cette personne est Julie (Renate Reinsve dans une brillante interprétation). Comme nous tous, Julie est une jeune femme qui trouve son chemin dans l’existence, non pas avec des idées préconçues ou des plans, mais plutôt en trébuchant d’une décision à l’autre, que ce soit en amour, au travail ou dans la vie en général. Bien sûr, elle n’est pas du tout comme le titre le décrit, mais en cours de route, elle blesse les autres et se blesse elle-même. C’est la vie.

Le scénario (coécrit avec Eskil Vogt) et la mise en scène de Trier sont si riches des détails des événements et des relations de tous les jours qu’il est difficile d’imaginer que même quelqu’un qui n’aime pas les sous-titres ne trouve pas quelque chose à quoi s’identifier dans ce film drôle, poignant et discret. Reinsve est parfois agaçante, déchirante, frustrante et enchanteresse. Mais suivre son parcours n’est jamais moins qu’une expérience empathique et chaleureuse. The Worst Person in the World trouve facilement sa place parmi les meilleurs films de 2021. – DK


9. Summer of Soul

Ahmir Thompson, plus connu sous le nom de Questlove, capture une rose qui pousse dans du ciment dans le documentaire Summer of Soul. Mais il ne la cueille pas. Il laisse les bassistes et les guitaristes qui ont participé à l’édition 1969 du festival culturel de Harlem utiliser des pics sur les cordes à la place. Ces derniers, ainsi que les autres musiciens qui ont accompagné des artistes comme Stevie Wonder, Mahalia Jackson, Sly and the Family Stone, B.B. King, Gladys Knight & the Pips, Mavis Staples et The Fifth Dimension, ont déposé leur version de la terre. Le révérend Jesse L. Jackson, soutenu par l’unité musicale de base Breadbasket Orchestra and Choir, l’arrose avec une immersion presque baptismale. Et Questlove montre avec amour comment, au cours de six dimanches d’été, le festival a cuit dans la chaleur de la ville pour produire une récolte de soul pure.

Wonder, 19 ans, donne le coup d’envoi à la batterie, syncopée et propre, mais ô combien sale. Nina Simone reste authentique, frappant les ivoires de son piano tout en faisant de même avec sa voix, luttant contre ceux qui voudraient envoyer ses fils au Vietnam dans “Backlash Blues”. Mais lorsqu’elle reprend une pièce de théâtre peu connue du centre-ville sur un morceau mélodieux et soutenu, elle affirme et consacre tous les habitants de ce parc, de ce quartier et de toute l’île de Manhattan qui a des oreilles, comme “Young, Gifted, and Black”. Le film est un rappel historique important que les arts, la politique et l’église peuvent se réunir au milieu d’une rage juste quantifiable et dansable, et les Edwin Hawkins Singers peuvent joyeusement déclarer “Oh Happy Day”. – TS


8. The Last Duel

Le drame historique saisissant de Ridley Scott relate un incident déchirant de trois points de vue différents – et est directement pertinent pour aujourd’hui, même s’il prend un certain temps pour arriver à l’essentiel. Le dernier duel met en scène Matt Damon dans le rôle de Jean de Carrouges, chevalier et propriétaire terrien dans la Normandie du XIVe siècle, dont la querelle avec le noble Jacques Le Gris (Adam Driver) explose lorsque la jeune épouse de Carrouges, Marguerite (Jodie Comer), est violée par Le Gris et refuse de se taire. Le résultat est un duel à mort entre les deux hommes pour déterminer qui dit la vérité – Marguerite risquant d’être brûlée sur le bûcher si son mari perd.

Alors que les deux premières parties présentent le point de vue des hommes, filtré par leur ego et leur orgueil, la troisième partie du film – sous-titrée “la vérité” – appartient à Marguerite, la seule à avoir été véritablement violée. Cette approche de Rashomon, qui consiste à explorer cette horreur à partir de multiples points de vue, prend son temps pour entrer dans le vif du sujet : le combat d’une femme solitaire pour la justice à une époque où sa voix était à peine reconnue. Mais la puissance considérable de The Last Duel vient de la façon dont la lutte de Marguerite pour être entendue et pour que la vérité éclate est presque une image miroir de la façon dont les événements se sont déroulés à l’époque moderne, et un rappel puissant que nous ne sommes pas allés assez loin. – DK


7. The Green Knight

Après des décennies de “réimaginations” et de réinventions ratées de franchises hollywoodiennes, le scénariste et réalisateur David Lowery revient à la légende arthurienne pour adapter fidèlement et déconstruire l’un des poèmes médiévaux les plus étranges ayant survécu jusqu’à nos jours : “Sir Gawain et le chevalier vert”. Dans cette interprétation sauvage et hallucinogène des vers du XIVe siècle, Gawain est dépeint comme un jeune homme endurci, incarné par Dev Patel, et sa quête d’un chevalier vert qui lui prendra sûrement la tête est autant un test de ses nombreuses faiblesses que de sa prétendue chevalerie.

La vision somptueuse de Lowery, avec une conception de production extravagante de Jade Healy et un maquillage prothétique épais qui fait apparaître le Chevalier Vert de Ralph Ineson comme s’il était le bois même de Birnam, se prélasse dans le fatalisme des paradoxes de son histoire et dans les ironies qui semblent condamner tous les hommes qui tentent de vivre une vie honorable, que leurs intentions soient feintes ou sincères. Quelle que soit l’interprétation que l’on en fait, une indéniable grâce persiste de la première image du film jusqu’à son dernier plan ambigu. – DC

6. Licorice Pizza

Comédie du passage à l’âge adulte de l’un des cinéastes américains les plus importants, Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson croise les exploits réels du producteur Gary Goetzman dans le showbiz de son enfance avec l’arc narratif de Peter Pan de Wendy Darling. Les rôles de Gary et d’Alana sont interprétés par Cooper Hoffman, le fils du grand Phillip Seymour Hoffman, qui a souvent collaboré avec Anderson, et par Alana Haim, la plus jeune sœur du célèbre trio rock Haim. Dans d’autres circonstances, ils pourraient être des amants maudits, mais ils sont séparés par une différence d’âge de dix ans. Néanmoins, ils sont incapables d’échapper à l’orbite de l’autre dans le Los Angeles du début des années 70.

Le film, à l’intrigue hirsute, suit le couple alors que Gary cherche à gagner de l’argent dans la vallée, apparemment sans adultes, tandis qu’Alana tente de trouver une direction à sa vie, que ce soit en tant qu’actrice, bénévole politiquement engagée ou autre. Il est intéressant de noter qu’elle revient régulièrement auprès de Gary et de son équipe de Garçons perdus, jouant le rôle de mère, de co-conspiratrice ou d’intérêt amoureux tout juste hors de portée, selon le jour et la situation. Par ailleurs, ses interactions avec des hommes plus âgés, qui sont tout aussi téméraires, immatures ou malhonnêtes que les adolescents, renforcent la chaleur qu’elle ressent pour Gary.

Le film se déroule comme si quelqu’un racontait des histoires folles de sa jeunesse : “Tu veux que je te raconte la fois où j’ai monté un commerce de matelas à eau ? “Est-ce que je t’ai déjà raconté comment j’ai été accusé à tort de meurtre ?” “Mais les vignettes amusantes se tiennent grâce à un sens aigu du lieu et du temps. C’est une lettre d’amour à la jeunesse de PTA et à la nécessité de chérir les personnes qui vous font sentir spécial. – NH


5. Bo Burnham: Inside

Ce qui sera certainement l’œuvre déterminante de l’ère de la pandémie, le document profondément personnel et souvent hilarant de Bo Burnham sur sa tentative de créer de l’art dans l’incertitude et l’isolement de 2020, fait que son dernier spécial comédie ressemble plus à du cinéma vérité qu’à du stand-up. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de blagues – l’œuvre est toujours drôle, idiote par endroits, et pas entièrement centrée sur les luttes personnelles de Burnham – mais Inside est à son meilleur lorsque Burnham passe son propre ego au microscope, déconstruisant son personnage, son ancien matériel et sa place dans le monde jusqu’à ce que le comédien soit un désordre presque nu en boule sur le sol. Comme si le contenu en lui-même n’était pas assez stupéfiant, Burnham a également filmé, monté et produit toute l’affaire, rendant constamment le “type seul chez lui parlant directement à la caméra” intéressant, beau et engageant.

L’angoisse existentielle et la techno-anxiété affichées font certainement d’Inside un document sur notre époque, mais il fonctionne aussi comme un film musical. Burnham exprime les pensées intimes, les peurs et les désirs de ses personnages par le biais de chansons tout au long d’un récit contenu, dans ce cas-ci, le récit est celui d’un homme qui tente de s’occuper pendant une pandémie. Il y a des ballades, des chansons de charme, des numéros de comédie, des chansons “I Am” et “I Want”, et une grande reprise. En capturant son expérience personnelle de la pandémie et en mettant toute l’affaire en musique, Burnham a créé l’un des récits les plus fascinants (et les plus entraînants !) de la vie en 2020 et au-delà. – NH

4. West Side Story

Steven Spielberg a attendu toute sa carrière pour réaliser une comédie musicale à grand spectacle. Après la majesté de cette réinvention de West Side Story, espérons qu’il ira un peu plus vite pour la suite. Malgré le scepticisme et la méfiance justifiés à l’idée que le maître foule le sol sacré (et problématique) d’un classique comme la version hollywoodienne de 1961 de la comédie musicale de Leonard Bernstein et Stephen Sondheim, Spielberg se l’approprie avec une vitalité fraîche et une exubérance étonnamment jeune. Les mouvements de caméra du réalisateur de 75 ans n’ont jamais semblé aussi enjoués ou excités depuis Catch Me If You Can.

Ce don singulier pour le blocage de la caméra est ainsi mis au service d’une histoire d’amour intime et enivrante. Pourtant, Spielberg et le scénariste Tony Kushner profitent également de l’occasion pour remédier à certains des défauts du spectacle et du film originaux en s’efforçant de rendre plus authentique le côté portoricain de la dichotomie “Sharks contre Jets” et en confiant des rôles plus étoffés à des stars instantanées comme Rachel Zegler et Ariana DeBose. De même, en tirant parti du recul et en recontextualisant West Side Story comme une pièce d’époque, le film est capable de faire remonter les problèmes d’aujourd’hui aux divisions de classe, de culture et de racisme d’il y a 60 ans.

Au-delà de ces nombreuses couches supplémentaires, le film reste un spectacle époustouflant où l’un des plus grands cinéastes de tous les temps se donne à fond et visualise sa comédie musicale préférée, découvrant un cœur vibrant et palpitant qui bat toujours au rythme de ces superbes chansons. – DC


3. Judas and the Black Messiah

Même sans le poids du drame, de la vie réelle et de l’histoire, Judas et le Messie noir est une œuvre cinématographique puissante, d’une beauté inébranlable, et le récit émotionnel d’une justice qui a été bien plus qu’un simple déni. Daniel Kaluuya est l’acteur le plus doué que toute génération ait produit. Il peut transmettre un certain nombre d’émotions contradictoires d’un simple regard, d’une lueur ou d’un clignement des yeux. Et tout cela avant même qu’il ne bouge les lèvres. Le film est une synthèse brutalement exaspérante du système de justice pénale américain utilisé pour réduire systématiquement au silence le mouvement des droits civiques, une voix importante à la fois.

Les mots de Fred Hampton, président des Black Panthers, ont infligé des blessures plus profondes que les balles qui l’ont réduit au silence à l’âge de 21 ans. Ce révolutionnaire visionnaire a osé inclure les laissés-pour-compte des communautés blanches pauvres et d’autres victimes ethniquement éloignées de la société, partageant avec sa Coalition Arc-en-ciel un rêve d’unité digne. En tant que héros de cinéma, il est comparable au tenancier de saloon et au chef de la résistance dans Casablanca.

Joué avec l’œil méfiant d’un arnaqueur des rues, le William O’Neal de Lakeith Stanfield connaît le prix de la trahison, mais se fait quand même avoir pour ses 30 onces d’argent. Lancé comme un rat, comme un capo dans un film sur la famille de la mafia sicilienne, il se classe au même rang que les maîtres à la langue bien pendue de The Departed ou On the Waterfront. Mais parce qu’il a monnayé la vie d’un personnage qui pourrait changer la face du monde, le baiser de la mort d’O’Neal prend des proportions bibliques.

“Tout le pouvoir au peuple” était un appel, pas un slogan, pour les porte-parole les plus mesurés des Black Panthers. Judas and the Black Messiah est à la fois un thriller politique tendu, un film de conspiration, un drame urbain et une comédie romantique. C’est une œuvre vitale parce qu’elle est la documentation historique d’une voix de la raison trop réelle et beaucoup trop humaine qui a été déraisonnablement arrachée à ses racines. – TS


2. Belfast

Peut-être y a-t-il quelque chose dans l’eau, car le nombre de réalisateurs qui remontent le fil de la mémoire avec des portraits semi-autobiographiques de l’enfance augmente de jour en jour. Malgré tout, le film de Kenneth Branagh, Belfast, nostalgique et ouvertement sentimental, se démarque, car il offre une vision joyeusement teintée de rose d’une époque décidément peu glorieuse. Comme le titre l’indique, le film se déroule à la fin des années 1960, au plus fort des troubles en Irlande du Nord, un moment de l’histoire qui a souvent dressé les voisins les uns contre les autres, ou du moins forcé ceux qui n’avaient pas cette allégeance à envisager de chercher la sortie.

L’une de ces familles est celle de Buddy (Jude Hill), un garçon qui s’amuse beaucoup, même s’il n’est que faiblement conscient des problèmes fiscaux de son père (Jamie Dornan) et de la violence imminente qui fait que sa mère (une formidable Caitríona Balfe) redoute d’envoyer ses fils dans la rue. Certaines critiques se sont opposées à la douceur du film et à ses fioritures manifestement fictives, où un père est aussi grand que Gary Cooper aux yeux de son fils. Et pourtant, c’est son sentiment qui est attrayant, compte tenu du contraste de son cadre.

L’innocence de l’enfance – et son existence en tant que testament pour les parents qui ont su la préserver – est une chose digne, que Branagh réalise dans son effort de mise en scène le plus sobre à ce jour. En imitant le naturalisme en noir et blanc de Truffaut, et en évitant son habituelle grandiloquence, Branagh insuffle à sa rêverie l’irrésistible anneau de la vérité. De plus, la présence d’un superbe ensemble, avec en tête Judi Dench et un Ciarán Hinds étincelant, ne fait jamais de mal. – DC


1. Dune (Readers’ Choice)

Malgré tous les discours sur le fossé entre le public et les critiques, il est toujours agréable de voir un petit consensus. Pour la première fois depuis l’instauration du vote combiné du personnel et du public de Den of Geek pour notre liste de fin d’année, le choix des critiques et celui du public pour le meilleur film de l’année se sont rejoints. Et vraiment, c’est le film parfait pour le faire : Dune.

Il est rare de voir un réalisateur avoir un contrôle aussi complet sur une franchise (Denis Villeneuve prend deux films pour adapter le premier livre de la série de Frank Herbert, et espère en tourner un troisième basé sur le deuxième livre… et il y a aussi un spinoff TV en développement chez HBO Max et assez de livres pour que cela dure des années). Et pourtant, malgré toute cette planification fiscale à long terme, ce film est tout aussi cérébral et authentiquement bizarre que son matériau d’origine et que les précédents travaux de son réalisateur. Raconté avec l’ampleur d’une épopée biblique hollywoodienne à l’ancienne, avec un casting de stars (et une durée de projection) à l’avenant, Dune est l’une des œuvres de construction du monde de la science-fiction les plus étonnantes jamais réalisées sur pellicule – une immersion totale dans chaque détail visuel et auditif. C’est tellement bon que la partition de Hans Zimmer, qui est probablement la meilleure de sa carrière, semble n’être qu’un bonus plutôt qu’une réussite époustouflante à elle seule.

Si Dune n’est pas un film parfait (les montagnes d’exposition clinique et distante que les personnages doivent livrer, le point presque décevant où il choisit de diviser le matériau source, les critiques valables sur son traitement des questions de la région MENA), il reste l’oiseau le plus rare dans le paysage actuel des blockbusters : une véritable œuvre de génie si riche et si belle dans son exécution que les futures épopées de science-fiction devront s’y mesurer pendant des années. – MC

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