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Les meilleurs films science fiction des 15 dernières années

Les meilleurs films science fiction des 15 dernières années

Notre personnel et nos lecteurs ont voté pour les meilleurs films science fiction sortis en salle (ou sur les chaînes de télévision) au cours des 15 dernières années !

Quinze ans, c’est long. Chez Den of Geek, nous pouvons certainement en témoigner, car nous avons vu le secteur évoluer et se développer, adopter le streaming et se tourner vers la propriété intellectuelle. Pourtant, même si notre présent est en constante évolution, notre fascination pour l’avenir reste inébranlable.

Quels rêves pourraient se réaliser dans 15 ans ? Ou 30 ? Ou une centaine, alors que la technologie évolue et que sa relation avec l’humanité est renégociée ?

Si vous aviez dit à une salle pleine de geeks au début de 2007 que 2022 serait un monde rempli de smartphones et de tablettes, de démocraties façonnées par les médias sociaux et de quelque chose appelé “TikTok”, ils auraient pu penser que vous aviez écrit un film de science-fiction. Pourtant, dans ce bouleversement, nous avons vu de très bonnes histoires de science-fiction naître en leur temps, qu’il s’agisse de superproductions hollywoodiennes ou de films indépendants, d’icônes ou de films peu appréciés.

C’est pourquoi nous avons interrogé toute notre équipe, ainsi que des milliers de votes de lecteurs, pour déterminer quels sont les 25 meilleurs films de science-fiction sortis au cours de nos 15 premières années.

25. A Quiet Place (2018)

Le vieil adage “les enfants doivent être vus et non entendus” n’a jamais été aussi vrai que dans A Quiet Place de John Krasinski. Ce n’est pas une plainte dédaigneuse d’adultes agacés, c’est la clé de la survie contre les envahisseurs extraterrestres. Le premier son que nous entendons dans le film est un son joyeux, la navette spatiale d’un enfant qui émet des ondes de joie sonore sur un pont dans les bois. C’est le dernier bruit que l’enfant entendra jamais, et ses parents, impuissants, ne peuvent même pas sursauter, sous peine d’être eux aussi entraînés dans l’inconnu fatal. Le silence est presque assourdissant dans ce film de 90 minutes, qui ne comporte que cinq minutes de dialogue. Les premiers mots sont prononcés environ 40 minutes après le début du film.

Krasinski oblige le public à aiguiser son attention en limitant le sens le plus viscéral pour exprimer l’horreur ou le soulagement. On ne nous dit jamais d’où viennent les extraterrestres ni pourquoi ils attaquent. Nous savons seulement qu’ils sont aveugles et qu’ils chassent au son. La famille Abbott communique de manière non verbale depuis 89 jours. Cela permet une narration cinématographique pure, amplifiant le développement des personnages tout en atténuant la détresse angoissante. Le film traite de la protection et de la survie.

La femme de Krasinski, Emily Blunt, joue le rôle d’Evelyn et, ensemble, ils apportent au film une peur plus profonde que la plupart des thrillers de science-fiction. Ils sont parents, leurs enfants sont en danger, elle est enceinte, les bébés pleurent. Millicent Simmonds, qui joue leur fille Regan, est sourde, ce qui apporte une base émotionnelle au film, le rendant en quelque sorte plus immersif, subversif, effrayant et réel. – Tony Sokol


24. Moon (2009)

Duncan Jones sait comment faire une entrée remarquée. Le premier film de Jones, réalisé en 2009, est une exploration sombre de la solitude et de ce que signifie être humain. Sam Rockwell livre une brillante performance dans le rôle de Sam, l’unique opérateur d’une installation minière lunaire qui souffre de visions inexpliquées. Il s’avère que Sam a beaucoup de raisons de s’interroger sur l’état de sa réalité, et Moon l’explore avec une sorte de jubilation tendue et névrotique.

Sans entrer dans les spoilers, Moon est pratiquement une vitrine pour Rockwell, la plupart des autres personnages apparaissant sur des écrans de contrôle ou sous forme de voix désincarnées. Comme Dark Star de John Carpenter, le film ne se prend pas trop au sérieux, jusqu’aux moments où il le fait. C’est un film à ne pas manquer si vous ne l’avez pas vu, et qui, malgré ses moments plus lourds, peut être revu à l’infini. – Mike Cecchini

23. Snowpiercer (2013)

Oubliez le drame de l’étage supérieur contre l’étage inférieur. Le cinéaste coréen Bong Joon-ho résume brutalement le système de castes des sociétés capitalistes avec l’une des meilleures allégories sociales de ce siècle. Et il s’agit de ceux qui ont la chance de monter à l’avant du train… et de ceux qui sont relégués à l’arrière. Avant son film oscarisé Parasite, qui a supprimé les pièges du genre dans lesquels Bong avait auparavant couché son commentaire social, le réalisateur a réalisé deux formidables films de science-fiction en Occident : Snowpiercer et Okja (2017), son réquisitoire sous-estimé contre le complexe industriel de la viande. Dans le premier cas, il imagine un futur post-apocalyptique où les derniers restes de l’humanité survivent à un désert gelé en voyageant autour de la planète à des vitesses incroyables dans un train décadent alimenté par le “Holy Engine”.

À l’avant du train vivent les riches et les nantis qui ont eu l’argent pour acheter un billet de première classe quand ils ont laissé le monde brûler (ou geler). À l’arrière se trouvent presque tous les autres : les travailleurs pauvres à qui l’on dit qu’ils devraient être reconnaissants de pouvoir pelleter le charbon qui fait tourner le moteur sacré tout en mangeant leurs propres déchets recyclés. Parmi eux se trouve Chris Evans (un acteur principal intelligent de Marvel qui a utilisé son influence de super-héros pour parier sur des artistes comme Bong). Il est convaincu que s’il peut mener une révolution, les choses changeront lorsqu’ils seront à l’avant du train. Mais entre sa bande d’idéalistes et les gros bonnets, se dressent les bureaucrates de la classe moyenne, dont une Tilda Swinton qui dévore merveilleusement le décor. La violence s’ensuit, tout comme la réalisation froide que rien ne change jamais tant qu’il y a besoin d’un sommet. Tant que quelqu’un peut monter à l’avant. – David Crow

22. Colossal (2016)

Parfois, Gloria (Anne Hathaway) est un monstre quand elle est ivre. Simultanément, un véritable monstre de la taille d’un Kaiju terrorise les habitants de Séoul, en Corée du Sud. C’est l’accroche de la comédie de science-fiction de Nacho Vigolondo, qui est beaucoup plus émotionnelle et nuancée qu’il n’y paraît au premier abord. Le personnage de Gloria, interprété par Hathaway, est une femme qui traverse une période difficile au début de l’histoire et qui retourne dans sa ville natale pour régler ses problèmes. Là, elle fréquente un bar avec un de ses anciens amis, Oscar (Jason Sudeikis), et finit par obtenir un emploi dans ce vieux bar. Pour un temps, la vie est gentiment en suspens, mais lorsque les choses commencent à devenir toxiques avec Oscar (difficile de croire que Ted Lasso peut jouer un trou du cul, mais il le peut vraiment), le Kaiju susmentionné commence également à causer des ravages massifs à Séoul.

Gloria découvre bientôt que si elle se tient (ivre ou autre) sur un certain terrain de jeu à l’aube, elle peut contrôler le monstre. Ses mauvais choix sont devenus manifestes. C’est ainsi que commence Colossal, une véritable étude sensible de l’alcoolisme occasionnel, avec des performances centrales formidables et l’œil d’un réalisateur largement sous-estimé. – Rosie Fletcher


21. The Endless (2017)

La troisième offre d’horreur de science-fiction à petit budget de Justin Benson et Aaron Moorhead a été un succès auprès des critiques lorsqu’elle est apparue en 2017 et est rapidement devenue un classique culte instantané auprès de nombreux fans du genre. Film sans prétention et étonnamment drôle, The Endless suit deux frères (joués par Benson et Moorhead) qui retournent dans une secte dont ils étaient membres quand ils étaient enfants après avoir reçu une étrange vidéo par courrier et craindre que la secte soit sur le point de se suicider en masse.

Inutile de dire que les choses ne sont pas tout à fait ce qu’elles semblent être, et le film dévoile lentement le mystère au cœur de cette communauté unique en exposant les frères au genre de phénomènes et de rituels étranges qui les propulseront vers un avenir vraiment inattendu. Un film à voir absolument. – Kirsten Howard


20. Attaquez le bloc (2011)

Le film de science-fiction qui a fait connaître la future star de Star Wars, John Boyega, est sans doute aussi son meilleur. Boyega joue le rôle de Moses, le chef d’un gang de rue du sud de Londres qui cherche à causer des problèmes lors de la nuit de Guy Fawkes. Et oh, ils trouvent des problèmes lorsqu’un météore s’écrase dans leur quartier. Et ce n’est pas un météore ordinaire, non plus. Lorsqu’un extraterrestre en sort et attaque Moses, la bande poursuit et tue la créature, célébrant sa victoire sur son cadavre écorché. C’est une énorme erreur.

À partir de ce moment, Attack the Block se transforme en un véritable thriller d’action. Moses, Pest (Alex Esmail), Dennis (Franz Drameh), Jerome (Leeon Jones) et Biggz (Simon Howard) se retrouvent au milieu d’une invasion d’extraterrestres et doivent travailler ensemble pour défendre leur complexe d’appartements contre les créatures qui sont venues les tuer tous dans un acte de vengeance brutale. Une Jodie Whitaker pré-Doctor Who et Nick Frost (Shaun of the Dead) se joignent également à la lutte. Comme on peut s’y attendre, le film ne se contente pas de vaincre ces envahisseurs extraterrestres. Le réalisateur et scénariste Joe Cornish aborde les questions de race et d’inégalité dans les communautés souvent oubliées de Londres. Le film offre certainement à l’incroyablement talentueux Boyega un matériau plus profond et plus significatif que ne l’a jamais fait la trilogie des suites. – John Saavedra


19. Under the Skin (2013)

Parfois, la science-fiction est l’endroit idéal pour explorer de nouveaux mondes étranges, des races extraterrestres et des technologies du futur. Under the Skin fait le contraire. En regardant l’humanité à travers les yeux de l’extra-terrestre meurtrier de Scarlett Johansson, c’est nous qui sommes étranges. Le chef-d’œuvre d’art et d’essai unique de Jonathan Glazer, basé sur le roman de Michel Faber, a nécessité près de 10 ans de travail. Tourné en Écosse, Johansson joue le rôle d’une femme mystérieuse qui séduit les hommes et les attire dans sa camionnette. La plupart des hommes qu’elle piège ne sont pas des acteurs, mais des civils filmés en caméra cachée dans la camionnette et qui ne sont informés qu’après coup qu’ils jouent dans un film. Le processus confère un caractère réel qui ajoute à l’étrangeté inhérente du film. Nous ne regardons pas comment nous pensons que nous pourrions nous comporter, mais comment des personnes réelles se comportent réellement.

Under the Skin est riche et compliqué, et c’est un accomplissement étonnant, un film qui capture la beauté idiosyncrasique de l’humanité à travers des haricots sur des toasts et Tommy Cooper, et la nature tragique et illogique de l’amour à travers une séquence déchirante sur une plage orageuse, et la cruauté dont l’humanité est capable à travers un dernier coup brutal. Jamais le familier ne s’est senti aussi véritablement étranger. – RF


18. Blade Runner 2049 (2017)

En droit, Blade Runner 2049 ne devrait pas exister. Il s’agit d’une suite à l’un des textes sacrés du cinéma de science-fiction, un classique culte si élégant dans son style noir qu’à un moment donné, Warner Bros. a pensé que le public en voudrait plus via cette coûteuse “suite de l’héritage”. Au vu du box-office de Blade Runner 2049, ce n’était pas le pari le plus intelligent. Néanmoins, le réalisateur Denis Villeneuve a pleinement profité de cette opportunité pour créer une extension saisissante et tout à fait crédible de la précédente vision de Ridley Scott, datant de 1982.

Si le film original de Scott est célèbre pour sa pluie, celui de Villeneuve est plus froid : il neige littéralement pendant une grande partie du film. Il adopte une disposition tout aussi froide avec un protagoniste qui sait qu’il est un réplicant. Ryan Gosling est toujours capable d’incarner une surface calme au-dessus d’un raz-de-marée de conflits intérieurs. Mais c’est sa relation avec un hologramme joué par Ana de Armas (qui peut ou non l’aimer) qui donne à 2049 un nouveau niveau de désespoir. À un certain moment dans le futur, même les androïdes ont créé des castes d’I.A. sensibles. Une machine regarde de haut la race d’une autre jusqu’à ce qu’elles fusionnent et convergent toutes dans l’étrange vallée de l’humanité laide. – DC

17. Gravity (2013)

On a parfois l’impression que les gens ont oublié Gravity, le film de science-fiction d’Alfonso Cuaron de 2013 qui a remporté sept Oscars bien mérités, notamment pour la réalisation, la cinématographie et les effets visuels. C’est peut-être parce que Gravity a si extraordinairement bien joué dans les salles de cinéma en tant que spectacle immersif qu’il faut tout simplement le voir sur grand écran, et en 3D qui plus est ! Et contrairement à tant d’autres films qui ont fait partie de l’engouement pour la 3D au début des années 2010, la 3D de Gravity a réellement fonctionné, donnant au public l’impression qu’il devait se réfugier derrière la rangée de sièges suivante pour échapper aux débris volants.

Mais Gravity a également apporté beaucoup de substance pour aller de pair avec ce style. La meilleure performance de Sandra Bullock dans le rôle d’une astronaute bloquée en orbite et obligée d’improviser un scénario de vie ou de mort après l’autre est tout à fait captivante, Bullock portant le film presque entièrement à elle seule. Mais il y a aussi un George Clooney parfaitement distribué dans le rôle de son coéquipier, qui apporte son sens de l’humour typique au vide infiniment froid et impitoyable. C’est un duo magistral dans un film tout aussi magistral. – Mike Cecchini

16. Pacific Rim (2013)

Pacific Rim de Guillermo del Toro est, tout simplement, le plus beau film de robots géants contre Kaiju que vous ayez jamais vu. Prenez un peu de Godzilla, un peu d’Ultraman, ajoutez-y un peu de Robotech et de Gundam pour faire bonne mesure, puis assaisonnez le tout avec le style étrangement beau de del Toro, et vous obtenez Pacific Rim, un blockbuster si étrange et merveilleux qu’il est presque difficile de croire que les dirigeants du studio ont permis qu’il existe en premier lieu.

Situé dans un futur proche où les Kaiju ravagent le monde depuis près d’une décennie, Pacific Rim raconte comment l’humanité se bat grâce à des méchas géants aux pouvoirs mentaux et lourdement armés, les Jaegers. Si vous n’êtes pas déjà convaincu, Pacific Rim n’est peut-être pas pour vous. D’un autre côté, il s’agit peut-être de l’évolution ultime de l’esthétique de Toho, Toei et autres fournisseurs de Kaiju et Tokusatsu, troquant le ridicule de l'”homme en costume” contre certains des meilleurs effets spéciaux du 21e siècle et traitant avec respect et amour un concept habituellement considéré comme intrinsèquement stupide. – MC


15. Guardians of the Galaxy(2014)

Tout au long de la série de 27 films du Marvel Cinematic Universe, qui a connu un succès retentissant, très peu de réalisateurs ont eu le champ libre pour mettre en œuvre une vision particulièrement élégante. Le MCU a pour but de raconter des histoires de manière efficace, mais le “style” est parfois sacrifié sur l’autel de “l’histoire”. C’est alors qu’est arrivé James Gunn avec le premier film Les Gardiens de la Galaxie, un film si différent du reste de la production du MCU qu’on aurait presque pu croire qu’il faisait partie de la même franchise.

Gunn a offert aux fans un véritable space opera à l’ancienne, avec le genre d’esthétique de science-fiction habitée chère aux fans de la trilogie originale de Star Wars et de Doctor Who de l’époque de Tom Baker, avec plus d’une touche de couleur qui n’aurait pas été déplacée dans le Flash Gordon de Mike Hodges. Comme si cela ne suffisait pas, Gunn a composé l’une des bandes sonores les plus mémorables de ces dernières années, pleine d’incontournables de la radio AM, de power pop et de glam rock… et s’est assuré qu’il y avait une raison historique pour que ces chansons soient diffusées à l’intérieur des vaisseaux spatiaux. Bien sûr, le film est rempli à ras bord de personnages, de lieux et de concepts de Marvel Comics, mais avant ce film, Groot, Rocket, Gamora, Drax et Star-Lord n’étaient pas vraiment connus. Eh bien, ils le sont maintenant, grâce à cette merveilleuse tranche de science-fiction, sans aucun super-héros en vue. – MC

14. Rogue One : A Star Wars Story (2016)

Avant que nous ayons un terme approprié pour les “suites héritées” en 2012, Disney était occupé à ramener Star Wars sur grand écran. Le plan du studio ? Revenir aux racines de la franchise établies en 1977. Le résultat a été The Force Awakens en 2015, un film qui ressemblait à une relecture de Un nouvel espoir à l’époque, et qui l’était encore plus à la fin de la trilogie des suites. Et pour son prochain tour, Disney a une fois de plus revisité le puits de A New Hope, mais cette fois avec un film préquel, Rogue One de 2016, l’histoire des agents rebelles qui ont volé les plans de l’Étoile de la Mort, alias le MacGuffin du film original. Dans l’ensemble, c’est un bien meilleur film et il fait sans doute un meilleur travail pour célébrer l’héritage de George Lucas que la copie carbone de 2015.

Bien qu’il ait été conçu pour évoquer un territoire familier, le film réalisé par Gareth Edwards, avec l’aide du cinéaste Tony Gilroy, ressemblait à un sérieux pari à l’époque. Rogue One, un film qui se déroule quelques jours seulement avant Un nouvel espoir, pouvait-il sortir de l’ombre de son prédécesseur et faire quelque chose de nouveau avec la franchise ?

Eh bien, dans son troisième acte choquant, c’était le cas. Annoncé comme un véritable film de guerre se déroulant dans la galaxie lointaine, Rogue One présente une vision plus réaliste de l’univers que nous n’avons jamais vue auparavant, où les espions rebelles comme le Cassian Andor de Diego Luna peuvent avoir une morale grise, contrairement à la morale noire et blanche de la trilogie originale. Le résultat est un film plus complexe que les films Star Wars habituels, soutenu par la performance émotionnelle de Felicity Jones dans le rôle de l’improbable héroïne Jyn Erso et de Donnie Yen dans celui de Chirrut Imwe, un adorateur de la Force. Et si le film traîne un peu en longueur au milieu, le troisième acte conclut les choses par une énorme bataille dans l’espace et sur terre qui reprend l’esprit des batailles classiques de Star Wars tout en présentant de nouvelles images et de nouveaux sons. – JS

13. Annihilation (2018)

Lorsque le scénariste et réalisateur Alex Garland a braqué sa caméra sur le roman éponyme de Jeff VanderMeer, il avait déjà consolidé sa place parmi les grands cinéastes de science-fiction d’Hollywood avec son premier film Ex Machina, ainsi que pour ses scénarios de 28 jours plus tard et Sunshine. Si Ex Machina s’appuyait sur l’histoire séculaire des machines qui se rebellent contre leurs créateurs, Annihilation s’est attaqué à un trope de science-fiction complètement différent : l’expédition scientifique qui tourne mal. Le film suit une équipe de femmes scientifiques qui se rendent dans la mystérieuse zone X, une zone de quarantaine aux États-Unis où la biologie a commencé à muter après l’écrasement d’un météore dans la région. Au début du film, nous apprenons qu’aucune autre expédition n’est jamais revenue de la zone X, ce qui donne à l’ensemble de l’affaire un sentiment de malheur avant même le début de la mission.

En réalité, le film est très différent du roman dont il s’inspire, et a plus de points communs avec “La couleur de l’espace” de H.P. Lovecraft et le film Stalker d’Andrei Tarkovsky. Comme on peut s’y attendre de cet excellent mélange d’influences, le film de Garland est imprégné d’un sentiment d’effroi accablant, à mesure que les scientifiques se rapprochent de la cause de cette anomalie biologique où la nature a évolué vers quelque chose de presque totalement étranger. Natalie Portman et Jennifer Jason Leigh mènent le casting dans le rôle de deux scientifiques dont les motivations pour vouloir pénétrer dans la zone X vont bien au-delà de la simple découverte scientifique. En fait, c’est à travers elles, ainsi que les personnages joués par Oscar Isaac, Gina Rodriguez, Tessa Thompson et Tuva Novotny, que le film explore l’une des questions centrales de l’histoire : Qu’est-ce qui pousse quelqu’un à participer à une mission suicide ? La réponse, tout comme le troisième acte glaçant du film, pourrait bien vous terrifier. – JS

12. Looper (2012)

Cinq ans avant d’écrire et de réaliser le film moderne Star Wars : Les Derniers Jedi, le cinéaste Rian Johnson a fait ses preuves en matière de science-fiction à plus petite échelle avec Looper, qui déborde d’amour pur pour la science-fiction et tout son potentiel spéculatif. Joe (interprété comme il se doit par Joseph Gordon-Levitt) est un tueur à gages, ou looper, pour un syndicat du crime de Kansas City en 2044. Comme la technologie de localisation du futur rend impossible l’élimination des corps, la version 2074 du syndicat renvoie les victimes en 2044 pour que Joe s’en occupe. C’est un travail simple, sauf que les victimes de 2074 sont renvoyées pour être exterminées par leur passé, ce qui a pour effet de “fermer la boucle”.

Le futur moi de Joe est joué par Bruce Willis et lorsque c’est son tour de se retrouver devant le canon du tromblon, il n’a pas l’intention de s’en aller tranquillement. C’est un point de départ assez fort pour tout concept de science-fiction, mais Looper ne se contente pas de l’hypothétique “tu tuerais la version future de toi-même pour un paquet d’argent”. Le film s’étend dans des directions inattendues et fascinantes, incorporant une biologie humaine avancée à la limite du surnaturel et laissant la place à une superbe performance d’Emily Blunt. – Alec Bojalad


11. The Martian (2015)

Ridley Scott est revenu au sommet de son art avec cette histoire très crédible d’un astronaute coincé sur Mars. Le film est basé sur le roman éponyme d’Andy Weir et met en scène Matt Damon dans le rôle de Mark Watney, l’astronaute abandonné sur la planète rouge alors que son équipe le croit mort à la suite d’une catastrophe. Watney doit maintenant envoyer un signal à la Terre pour montrer qu’il est toujours en vie et trouver des moyens ingénieux de survivre assez longtemps pour qu’une éventuelle mission de sauvetage puisse le rejoindre.

Il y a beaucoup de science fascinante ici, y compris des explorations sur la façon dont les choses fonctionneraient réellement dans l’atmosphère de Mars, et la NASA a été consultée afin d’obtenir des éléments corrects du voyage spatial. Les détails sont fascinants, mais la résilience de l’esprit humain est au cœur du récit. C’est une histoire classique d’ingéniosité et de bravoure, et nous accompagnons Watney dans les hauts et les bas de sa quête de survie, tandis que pour ses coéquipiers qui tentent de le sauver et le public sur Terre, il est un symbole d’espoir. C’est un film intelligent, parfois drôle, et extrêmement satisfaisant sur le plan émotionnel, avec la meilleure performance de Damon en carrière. – RF


10. WALL-E (2008)

Imaginez, si vous voulez, un futur paysage d’enfer techno-capitaliste. La Terre est détruite. La race humaine fait le tour de l’univers à bord d’un antique vaisseau de luxe dirigé par un pilote automatique misanthrope. Des écrans tactiles survolent nos corps corpulents et allongés et nous font passer par des options de divertissement sans intérêt jusqu’à ce que le faux soleil se couche. Bienvenue dans le monde sinistre de… WALL-E, film d’animation familial classé PG.

Le film WALL-E de 2008 est une nouvelle victoire pour le vénérable studio Pixar et une critique sociale étonnamment cinglante. Le principe du film est simple. Et si l’humanité quittait la Terre en oubliant d’éteindre le dernier robot en partant ? Cette question donne lieu à une remarquable histoire d’aventure de science-fiction. Au milieu de toute la dystopie du futur se trouve la détermination tenace d’un petit robot qui a un travail à faire. En se contentant de pointer, de réduire ses déchets en cubes et d’être lui-même, WALL-E démontre de manière convaincante que l’humanité mérite une seconde chance. Si nous pouvons créer des robots adorables comme WALL-E et son intérêt amoureux Eve, alors nous ne pouvons pas être si mauvais, n’est-ce pas ? – AB


9. Her (2013)

Le quatrième long métrage de Spike Jonze en tant que réalisateur (et le premier en tant que scénariste solo) est un regard doux, mélancolique mais incisif sur les relations humaines à l’ère de la technologie envahissante. L’introverti Théodore (Joaquin Phoenix, parfait), dont le travail consiste à composer des lettres personnelles pour les personnes qui sont incapables de le faire elles-mêmes, est déprimé et solitaire après la fin de son mariage avec Catherine (Rooney Mara). Lorsqu’il installe un nouveau système d’exploitation chez lui, une assistante virtuelle qu’il nomme Samantha (dont la voix est interprétée par Scarlett Johansson) est programmée pour évoluer d’elle-même. Théodore et Samantha entament bientôt une relation intime, même si Samantha commence à progresser au-delà de la compréhension humaine.

Plus pertinent que jamais, Her présente Theodore et les autres humains de l’histoire (dont Amy Adams et Chris Pratt, entre autres) comme perdus, incapables de se connecter émotionnellement les uns aux autres dans un monde où la technologie continue de nous isoler. L’histoire d’amour entre Théodore et Samantha (avec Johansson qui fait un excellent travail vocal) est développée de manière crédible, et les derniers stades de développement de Samantha laissent entrevoir des domaines de conscience inconnus que nous ne pouvons que deviner. Il s’agit d’une œuvre de science-fiction originale, merveilleuse, triste et émouvante, réalisée par un cinéaste qui a été absent pendant trop longtemps. – Don Kaye

8. District 9 (2009)

Le scénariste et réalisateur sud-africain Neill Blomkamp est littéralement sorti de nulle part (après avoir travaillé comme artiste spécialisé dans les effets spéciaux pendant une dizaine d’années) avec son premier long métrage, produit par Peter Jackson et basé sur un court métrage que Blomkamp avait réalisé quelques années auparavant. Dans le film, les habitants d’un vaisseau spatial extraterrestre qui apparaît au-dessus de Johannesburg sont confinés dans un camp d’internement appelé District 9. Les plans des deux parties – le gouvernement pour relocaliser les “crevettes” et les extraterrestres pour retourner dans leur vaisseau – tournent mal lorsque le bureaucrate inepte (Sharlto Copley) qui dirige l’opération gouvernementale commence par inadvertance à se transformer en “crevette” lui-même en raison de son exposition au carburant extraterrestre.

Tourné de manière semi-documentaire et d’une intensité implacable du début à la fin, la réputation de District 9 comme l’un des meilleurs films de science-fiction des années 2000 est bien méritée. Comme tous les grands films de science-fiction, le film utilise ses prémisses pour aborder le racisme, la xénophobie, les droits de l’homme (ou autres) et la ségrégation, avec en arrière-plan l’histoire honteuse de l’apartheid en Afrique du Sud. Copley, lui aussi inconnu jusqu’à présent, offre une superbe performance dans le rôle du tragique Wikus, tandis que Blomkamp manie le matériau avec acuité et précision tout au long du film. C’est dommage qu’il n’ait jamais fait quelque chose d’aussi bon depuis. – DK


7. Edge of Tomorrow (2014)

Les boucles temporelles sont presque toujours une mine d’or de personnages pour le genre de la science-fiction, et Edge of Tomorrow ne fait pas exception à la règle puisqu’il oblige le major de l’armée américaine William Cage (Tom Cruise) à affiner sa force mentale et physique au cours d’innombrables boucles au milieu d’une bataille futuriste pour sauver la Terre d’extraterrestres rusés. Le film risqué de Doug Liman a fini par devenir un succès culte sous la plume de Christopher McQuarrie, et bien que la conclusion du film ait été écrite pendant le tournage et soit souvent considérée comme la partie la plus décevante de ce qui est par ailleurs un bijou de science-fiction bourré d’action, c’est un régal de voir Cruise jouer contre le type de personnage dans le rôle de l’infortuné Cage, avec le sergent héroïque Rita Vrataski d’Emily Blunt qui lui met la pression sans relâche jusqu’à ce qu’il soit digne. – KH


6. Dune (2021)

Dune a longtemps été considéré comme l’un de ces livres “impossibles à filmer”, le roman classique de Frank Herbert sur le futur lointain de l’humanité étant considéré comme trop dense et complexe pour être véritablement transposé à l’écran. En effet, il a fallu trois tentatives pour y parvenir : après le désastreux film de David Lynch en 1984 et une mini-série de Sci-Fi Channel en 2000, qui était correcte mais finalement jetable, le réalisateur Denis Villeneuve a finalement réussi à faire un film épique à gros budget, un film ambitieux qui capture à la fois la vaste portée cosmique et l’étrange mysticisme personnel qui ont rendu ce matériau si fascinant pendant près de 60 ans.

En travaillant avec un casting incroyable qui correspond presque tous à leurs rôles, Villeneuve a créé un film qui est largement fidèle à la première moitié du livre d’Herbert tout en le portant à l’écran avec des visuels époustouflants qui semblent bondir de la page. Diviser le livre en deux parties était à la fois une décision judicieuse et risquée, car le voyage du héros évoqué dans la première moitié du livre fait place à quelque chose de beaucoup plus sombre dans la seconde (sans parler des suites d’Herbert). Il reste à voir comment Villeneuve va gérer cela, mais en attendant, Dune est une adaptation glorieuse et souvent stupéfiante d’un monument de la science-fiction. – DK

5. Ex Machina (2015)

Une machine acquiert la sensibilité. C’est l’un des piliers du genre de la science-fiction depuis au moins Metropolis. Pourtant, on peut dire qu’aucune science-fiction n’est allée aussi loin dans l’imagination de la difficulté d’atteindre (et donc de prouver) l’intelligence artificielle que Ex Machina d’Alex Garland. Il s’agit pratiquement d’un drame de salon entre un programmeur (Domhnall Gleeson), un génie de la technologie (Oscar Isaac dans l’un de ses meilleurs rôles), et sa création, Ava (Alicia Vikander), ce film dépouille ses éléments jusqu’aux bases narratives et revient à une époque où l’ambiance et l’esthétique l’emportaient sur l’intrigue ou les effets spéciaux.

Certes, l’Ava de Vikander est toujours une merveille technique. Elle est enveloppée dans un design oscarisé d’Andrew Whitehurst qui est à la fois féminin et effrayant. Mais c’est sa performance qui invite à l’examen et au débat, tout comme les Prométhées modernes de Gleeson et Isaac discutent des mérites de l’IA. C’est dans ces longues conversations, et dans les pauses qui les séparent et qui permettent d’envisager toutes les implications d’un avenir fondé sur l’IA, qu’Ex Machina s’enfonce dans la peau et vous fait vous demander s’il y a de l’os ou du métal en dessous. – DC


4. Interstellar (2014)

Ayant terminé plus haut dans ce genre de liste que ce que beaucoup auraient pu attendre en 2014, l’épopée spatiale de Christopher Nolan possède une étrange qualité obsédante qui perdure près de dix ans plus tard. Film le plus sincère et le plus sentimental de son énigmatique réalisateur, Interstellar fait fi du temps et de la gravité – et a même sensibilisé des millions de personnes à la théorie de la relativité – pour parler de l’amour entre pères et filles.

Bien sûr, il y a plus que cela dans Interstellar. Il s’agit d’un mythe séculaire de la fin des temps qui imagine un avenir où l’humanité est obligée de se sauver en s’adaptant à la vie dans les étoiles, et qui concrétise cette idée dans une aventure à l’ancienne qui ferait la fierté de Jules Verne. Nous avons ici une collection de scientifiques qui sont imprégnés de la recherche scientifique de notre époque (le film a même correctement prédit à quoi ressemblerait un trou noir) qui se lancent dans une quête sauvage où leurs enfants vieillissent mais où ils gardent le même âge. Nolan a bien fait de choisir Matthew McConaughey.

De même, la partition d’orgue de Hans Zimmer, enveloppée de religiosité, reste l’une des meilleures symphonies cinématographiques de ce siècle. – DC



3 Inception (2010)

L’autre grand film de science-fiction de Christopher Nolan de ces 15 dernières années, Inception, s’intéresse moins à la science dure qui existe sur son sujet de prédilection – le rêve lucide – qu’à l’utilisation de la “logique du rêve” comme toile de fond pour élaborer l’un des crowdpleasers les plus satisfaisants et les plus noueux de la mémoire récente. En fin de compte, Inception est un film de casse qui joue avec la forme et la structure narratives pour se replier sur lui-même, un peu comme les paysages urbains de Paris lors d’une scène célèbre.

Sorte de manifeste cinématographique pour Nolan, Inception est un énoncé de mission allégorique sur la façon dont un réalisateur constitue une équipe afin d’implanter des idées dans votre petite tête. La magie du film réside donc dans le fait que ces airs ne sont jamais prétentieux ou lourds. Ils s’effacent plutôt à l’arrière-plan d’un film d’action autrement palpitant et robuste qui ne parle jamais. Celui-ci préfère demander au public de suivre le rythme en utilisant “l’infiltration des rêves” pour tisser une aventure labyrinthique qui peut être aussi vertigineuse que viscérale lorsqu’un train se manifeste dans une rue de la ville ou qu’un couloir d’hôtel tourne sur un axe de 60 degrés. – DC


2. Arrival (2016)

Basé sur le conte “Story of Your Life” de Ted Chiang, Arrival relate le premier contact entre humains et extraterrestres à travers la science de la linguistique. Louise Banks (Amy Adams), professeur de langue, est recrutée par le gouvernement – après l’apparition d’une douzaine de vaisseaux massifs autour du globe – pour tenter de décoder la langue des extraterrestres, trouver un moyen de communiquer avec eux et apprendre ce qu’ils veulent. Mais Banks, hantée par les souvenirs d’une terrible tragédie dans sa vie, découvre que la langue des extraterrestres libère son propre esprit d’une manière qu’elle n’aurait pas pu prévoir.

Une fois de plus, le réalisateur Denis Villeneuve (sur un scénario d’Eric Heisserer) démontre son talent pour transformer une science-fiction littéraire et cérébrale en une expérience théâtrale fascinante, palpitante et finalement profondément émouvante. Arrival ajoute quelques rides cinématographiques – un peu d’action, une “crise” mondiale entourant l’apparition des extraterrestres – mais reste fidèle à sa prémisse hallucinante et aux thèmes incroyablement profonds de la perte, de la mémoire, du deuil et des choix de vie. La science-fiction cinématographique a rarement été aussi bonne. – DK


1. Mad Max : Fury Road (2015)

Les films Mad Max sont souvent considérés comme des films d’action, et à juste titre. Mais il convient de noter qu’il s’agit également d’une remarquable série d’histoires se déroulant dans un monde post-apocalyptique entièrement développé et constamment captivant, aussi imaginatif que tout ce que nous avons vu dans des films plus souvent qualifiés de science-fiction. Tout cela fait de la franchise non seulement l’une des grandes propriétés d’action, mais aussi l’une des meilleures sagas de science-fiction du cinéma.

C’est pourquoi le retour du réalisateur et coscénariste George Miller dans l’univers de Max Rockatansky était si attendu : voici l’un des rares réalisateurs qui réussit à combiner action et science-fiction. Et ne vous y trompez pas, son quatrième film tant attendu du cycle, Mad Max : Fury Road, est un triomphe à tous égards et un chef-d’œuvre monumental dans les deux genres. Il a élargi l’univers et le parcours de Max (désormais interprété par un Tom Hardy taciturne mais toujours aussi magnétique), a ajouté un nouveau personnage pertinent, impressionnant et multidimensionnel en la personne de Furiosa (une Charlize Theron magnétique), et a offert une séquence époustouflante après l’autre, jusqu’à son époustouflante poursuite finale.

Mad Max : Fury Road est un film de genre, certes, mais c’est un magnifique exemple du genre de récit immersif, enveloppant les sens et propice à l’imagination que les superproductions et un réalisateur comme Miller savent le mieux faire. Ses thèmes, notamment les pièges patriarcaux toujours tendus aux femmes, ses images et son cinétisme pur ne vieillissent jamais et ne deviennent jamais banals, et son art se transcende presque lui-même. Il y a une raison – plusieurs, en fait – pour laquelle ce film est en tête de liste, et continuera probablement à l’être dans les années à venir. C’est un grand classique. – DK

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