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Nightmare Alley

Nightmare Alley (2021) vs. Nightmare Alley (1947) : Quelles sont les différences ?

Guillermo del Toro appose sa marque sur un classique du culte occulte, en retrouvant le monstre dans Nightmare Alley et en le filmant sous un jour différent de celui du film original de 1947.

Nightmare Alley (2021) vs. Nightmare Alley (1947) : Quelles sont les différences ?

Geek Show et vie de carnaval

“Monsieur, j’étais fait pour ça” contre “Monsieur, je suis né pour ça”, voilà qui résume la principale distinction psychologique entre l’Allée des cauchemars de 1947 et le remake de 2021 de Guillermo del Toro. Aucune des deux répliques de la fin de leurs films respectifs ne figure dans le roman de 1946 de William Lindsay Gresham. Ce livre se termine juste avant la révélation ou la confession (selon l’acteur qui la prononce). Le Stan Carlisle de Bradley Cooper trouve carrément hilarant le fait qu’il est sur le point de devenir un geek. Le Grand Stanton de Tyrone Power ne s’accorde qu’une clémence temporaire. Le geek est leur destin. Le cou de poulet est leur destin commun.

La première différence majeure entre les deux films est la plus évidente. L’un utilise toutes les astuces du cinéma en noir et blanc, l’autre nuance ses couleurs dans un noir sourd. La différence suivante, immédiatement reconnaissable, intervient au moment du repas. Dans le nouveau film, nous voyons le cou du poulet se déchirer en couleurs gores. Dans l’ancien film, on coupe la scène alors que la volaille est jetée sans cérémonie dans la fosse clôturée pour que les badauds puissent la dévisager.

Nous examinons ici quelques-unes des différences flagrantes et subtiles entre les deux adaptations du classique du film noir, Nightmare Alley.


La backstory de Stanton Carlisle

Réalisé par Edmund Goulding au plus fort du code Hays, le Nightmare Alley original ne pouvait que taquiner le grotesque de l’attraction pour geeks. Del Toro concentre sa caméra sur la brutalité, la sauvagerie et la douleur infligées à l’artiste, soulignant ainsi les conditions du monde ambulant endurées par les forains.

Le numéro de geek représente le fond du baril. Le plus bas échelon de la société et du divertissement, le geek avale des serpents et arrache la tête de poulets vivants pour l’amusement et la répulsion de la foule. Dans le scénario original de 1947 de Jules Furthma, le personnage de Clem Hoatley (James Flavin) refuse de parler du geek, disant à Stan : “Quand tu seras plus longtemps dans cette fête foraine, tu apprendras à ne plus poser de questions”. Le nouvel employé enthousiaste qui est notre protagoniste obtient plutôt sa réponse de la voyante Zeena Krumhein (Joan Blondell), qui explique : “C’est toujours un point sensible dans une fête foraine. Le geek est l’une de nos plus grandes attractions, mais beaucoup d’artistes ne travailleront pas sur un spectacle qui en comporte un.”

Dans le nouveau film, le directeur de la fête foraine, Clem Hoatley (Willem Dafoe), a un rôle beaucoup plus important et détaille le processus de transformation des alcooliques en geeks : On ne les trouve pas. On les fabrique. Vous prenez un ivrogne qui boit une bouteille par jour et qui est au bout du rouleau, vous lui parlez d’un petit boulot d’acteur, temporaire jusqu’à ce qu’un vrai geek arrive, vous lui donnez un endroit sec pour dormir et une bouteille avec une goutte de quelque chose en plus, et il pensera qu’il est allé au paradis. Quand il est accro, vous menacez de le virer. Il pense à dessoûler et à avoir les tremblements qui accompagnent la désintoxication. Lancez-lui un poulet et il s’en prendra plein la gorge.

Les dialogues de la version 2021 sont presque textuellement tirés du matériau d’origine, à l’exception du fait que le roman ne mentionne pas ouvertement la possibilité de mélanger l’alcool et l’opium. Del Toro et sa co-scénariste Kim Morgan s’en tiennent au “plan”, et dans leur interprétation, la grande prise de conscience de Stan est qu’il est né pour ça. C’est en fait libérateur pour lui, car il a toujours été sans espoir et peut maintenant enlever son masque. Le Stanton de Tyrone Power se détériore en geek. On lui fait choisir son destin. Cooper n’a jamais eu le choix.

Quand le film de 1947 commence. Stan travaille déjà au spectacle Ten-in-One de Hoatley. La seule chose que nous savons de sa vie avant la fête foraine, c’est lorsqu’il avoue être un orphelin qui a passé du temps en maison de redressement. Il peut s’agir d’une escroquerie ou d’une invention romantique, Power apporte une touche d’ambiguïté à la lecture, mais ses yeux trahissent aussi une confession innocente. Del Toro introduit une intrigue secondaire sur l’histoire de Stan avec son père, et avec l’alcoolisme, qui enlève tout semblant d’origine naïve. Le Stan de Cooper a une relation trouble avec son père, qui se termine froidement. Ce Stan est moins innocent dès le départ.

Dans la version 2021, le Carlisle de Cooper brûle directement dans l’action. Il jette un corps ensaché sous les planchers et met le feu à la maison par-dessus. Il prend un bus jusqu’à son dernier arrêt et suit le Major Mosquito (Mark Povinelli) jusqu’à la fête foraine, qui sera sa délivrance, sans poser de questions. Ce qui nuance et préfigure la backstory de Stan, et établit un modèle de mouvement vers l’avant précipité avec un seul œil jetant simplement un coup d’œil au rétroviseur. Il commence comme un outsider pour les outsiders, et se fraye un chemin jusqu’à l’ultime outsider. En revanche, le Stanton de Power commence par aimer la fête foraine, la foule, le bruit. Il a eu beaucoup d’emplois, mais “celui-là me convient”. Il aurait pu faire partie de la famille.

La famille itinérante du film original est complexe. Leurs relations sont nuancées et embrouillées, mais elles sont aimantes et protectrices. La mise en scène de Goulding met en scène un ensemble d’acteurs, ce qui correspond mieux au cadre théâtral des forains. La première moitié du film se déroule dans un monde de spectacle vivant, et les acteurs dansent les uns sur les autres.

Mike Mazurki, dans le film original, et Ron Perlman, dans le remake, permettent à l’homme fort Bruno de porter le poids de son incapacité à maintenir l’unité de la famille et d’organiser le mariage forcé qui la déchire. Mazurki était un lutteur hongrois avant de devenir un acteur de caractère fiable, et Perlman est aussi sympathique et intimidant que son prédécesseur. Leurs rôles sont similaires, et ils apportent une classe terrienne aux deux films.

Del Toro se concentre carrément sur Cooper. C’est son film. Les autres personnages sont relégués à des scènes plus isolées pour que Carlisle reste sous les feux de la rampe. Nous l’encourageons lorsqu’il s’enfuit avec sa femme Molly (Rooney Mara) pour faire la tournée des boîtes de nuit en tant que spirite en tête d’affiche. Nous nous inquiétons lorsqu’il promet à une clientèle fortunée qu’il peut communiquer avec les morts, sachant que les spectacles de spiritisme sont traîtres.

Le pouvoir n’est même pas toujours au centre de la scène dans le cadrage du film original. Stanton est reléguée, au sens figuré, à l’archétype de la femme fatale de l’époque, gravissant l’échelle du succès une femme après l’autre. Même si le Stan original promet de rendre Molly (Coleen Gray) heureuse, il n’a d’yeux que pour l’avenir. Il ne la voit pas. Il ne voit que l’argent qu’ils vont gagner.


Pete et Zeena et le code secret

L’adaptation cinématographique de 1947 a été contrainte de limiter la liaison de Stanton et Zeena à quelques baisers de bras, une caresse et une distraction visuelle. La Zeena du remake, une prétendue médium et voyante, est jouée par Toni Colette de manière plus directe. Elle déclare que Stan est “agréable à regarder”, qu’il a un certain panache et qu’un dixième de dollar ne permet d’obtenir qu’une quantité limitée de savon mou. Elle se méfie un peu plus de l’ambition du nouvel employé que la diseuse de bonne aventure de Blondell, mais lui donne un peu de mou, principalement à partir du bas du jeu.

La science de la lecture du tarot est beaucoup plus détaillée et vénérée dans le film de 1947. La Zeena de Blondell donne un compte rendu complet des cartes, de leur emplacement, de leur relation et des variations significatives selon qu’elles sont tirées à la main ou qu’elles atterrissent par accident fortuit. Le roman est présenté comme un tirage de tarot, chaque chapitre portant le nom d’une carte de l’arcane majeur. La facilité avec laquelle ces cartes annoncent la chute dans les deux films est un peu trop hollywoodienne, où la carte de la mort est toujours littérale. La Zeena de Collette et de Blondell croit sincèrement au pouvoir des cartes. La diseuse de bonne aventure est peut-être fausse dans tous les autres domaines, mais les pentacles, les épées, les as et les baguettes sont un langage pour elle.

Dans le film original, Zeena admet qu’elle est “aussi fiable qu’une couronne à deux dollars”, mais sa foi dans le tarot est si forte que personne ne remet en question ses prédictions, jusqu’à ce que Stan l’accuse de truquer le jeu pour l’escroquer. Quoi qu’il en soit, Stan a la carte dans la peau, que le marché soit réel ou sournois. Il est impuissant face à son statut vénéré. Stan sait que les cartes diront toujours la vérité. Il a été entraîné à les respecter. Dans la version mise à jour, Stan retourne dédaigneusement le Pendu inversé. “Voilà, je l’ai réparé”, dit-il en ricanant.

Dans le film de 1947, Pete (Ian Keith), une ancienne vedette devenue alcoolique, protège ses secrets de mentaliste, en particulier le “Code”, le système de mots et de chiffres corrélatifs que Zeena et lui utilisent pour lire dans les pensées les yeux bandés. Le film suit le fatalisme du film noir, voit la classe sociale comme prédéterminée et l’alcool comme le grand niveleur. Zeena et Pete ont connu la gloire mais ont été renvoyés à la vie de carnaval itinérant, à laquelle ils appartiennent.

Le livre de code des arnaques psychiques est la clé de la retraite de Pete. Il est très contrarié lorsque Stan en parle à Zeena dans la caravane. Plus tard, elle envisage de vendre le code afin de payer le “traitement” de Pete. Cela pose problème lorsque Stan laisse intentionnellement de l’alcool de grain de bois empoisonné à Pete pour qu’il le boive. L’ambitieux escroc de Power a plus de raisons de se débarrasser de l’homme qui a inventé et perfectionné le système.

Dans la version 2021, Pete (David Strathairn) est le mentor de Stan. Il est pétillant et brillant, parle français et s’y connaît dans la haute société. Ils se lient d’amitié et, même si Stan agit dans son dos, il semble y avoir une véritable affection et un véritable respect. Pete devient une figure paternelle pour l’élève enthousiaste. Mais il a déjà été établi que Stan a des problèmes avec son père.


Le fatalisme du Dr Lilith Ritter

Le Dr Lilith Ritter (Helen Walker) est un personnage secondaire dans le film original, mais il n’en reste pas moins que sa représentation féminine du mal est l’une des plus finement dessinées du cinéma d’après-guerre. Après avoir atteint les plus hautes sphères de la société de Chicago qu’un mentaliste dans le racket du spiritisme puisse atteindre, Stanton se lie à Lilith parce qu'”un escroc connaît un escroc”. La plus fatale de toutes les femmes, la psychologue consultante est l’appât le plus sournois des deux films. Elle a l’esprit pour ça. Dans le livre, son cerveau est “toujours relié au sien par un fil d’or invisible, plus fin que la soie d’une araignée. Il envoyait ses charges dans son esprit.”

Le film de 2021 développe les séances de psychanalyse de Stan, et permet à Cate Blanchett de remplir l’espace personnel insondable du Dr Ritter, à la fois intérieur et extérieur. Les deux films créent une atmosphère autour du personnage qui implique subliminalement quelque chose de caché sous la surface, la définition même de l’occulte, et le nouveau film lui permet de plonger profondément. Les séances frôlent les régressions, le médecin amenant le patient malgré lui dans les moments mêmes de son traumatisme.

L’extension permet également à Cooper d’avoir plus de temps à l’écran avec Blanchett, qui révèle nue les dommages les plus profonds de son personnage et s’en sert comme d’un hameçon pour l’attirer dans une arnaque de vengeance. En tant que psychologue, le Dr Ritter sait ce qu’est Stan et n’a besoin de rien de sa part. Elle a un statut social, de l’argent et des informations privilégiées. Elle sait que Stan est un escroc même s’il peut deviner le calibre de son pistolet nickelé. Lorsque Lilith échange ses liasses de billets contre des billets de un dollar, elle ne fait pas que voler la monnaie légale. L’argent de Stan est son âme.

La Lilith de Blanchett est aussi terrifiante et inhumaine que la sombre figure biblique dont elle porte le nom. D’une certaine manière, elle est le serpent dans le jardin de ce film, ou, comme elle le dit, “est-ce que j’en fais trop ?”. Lilith est aussi plus directement impliquée dans la chute de Stan car elle est le meilleur appât. Elle le tient en joue : “Je sais que tu es mauvais, parce que moi aussi.” Il est cependant dommage que leur confrontation finale se fasse physiquement dans une séquence d’action. Le film original le fait avec des dialogues et du silence, des ombres et des espaces toujours plus exigus.

Le nouveau film apporte le masochisme à la Lilith sadique, Blanchett se délectant du moment où sa proie réalise qu’elle est dans un piège. Le Dr Ritter de Walker ne laissera jamais Stan voir cette satisfaction. Elle lui dit simplement de rentrer chez lui, et alors même qu’il s’enfuit, il doute de qui il est, perd sa raison, devient presque fou.


La vieille monnaie d’Ezra Grindle

Le film de Del Toro dure 40 minutes de plus que l’adaptation originale et permet d’explorer plus en profondeur certains points du roman de Gresham. La recherche finalement suicidaire du juge Charles Kimball et de sa femme Felicia (Mary Steenburgen) pour retrouver leur fils mort ne figure pas dans le film original. Outre le gore manifeste, la version de 1947 a dû abandonner les références à l’adultère et à l’avortement. Ezra Grindle (Taylor Holmes) n’est qu’une cible pour le pronostiqueur de la haute société de Power, et ceci n’est que son plus grand tour de passe-passe. La séance de matérialisation finale semble fonctionner jusqu’à ce que la Molly de Coleen Gray rompe son personnage dans un accès de culpabilité. Dans le nouveau film, Molly continue de jouer la comédie en se faisant passer pour la défunte Dorrie, même si elle en a assez. C’est la marque qui rompt le schéma.

Le film de 1947 ne donne pas non plus de détails sur la façon dont Dorrie est morte et sur la profondeur de la douleur de son petit ami. Dans le premier film, Ezra n’est qu’un riche homme d’affaires qui souffre d’une perte personnelle et cherche du réconfort lorsque Stan le met à genoux et le dépouille. Dans la version 2021, Ezra Grindle (Richard Jenkins) est un monstre, un véritable chef-d’œuvre de del Toro. Ezra veut laver son âme, et pense pouvoir le faire en liquide. Ses péchés sont bien plus sombres, et ses droits trop sûrs. Sa richesse lui a permis de passer sa vie à retraumatiser sa fiancée morte. Il est sous-entendu qu’il est un violeur en série, et peut-être un meurtrier, qui s’attaque à toute femme qui lui rappelle son amant, y compris le Dr Ritter, qui a piégé Stan pour qu’il se venge.

Del Toro donne également à Ezra un bras droit, Anderson (Holt McCallan), qui est le chef de la sécurité de l’usine dans le livre, et qui prend Carlisle pour un escroc dès le départ dans le film. Le film implique qu’il y a une histoire intéressante derrière sa loyauté envers Grindle.

La fin

La conclusion de Del Toro est fidèle au livre, presque au mot près, à l’exception de la ligne commune qui définit les deux adaptations. Del Toro personnalise malicieusement le décor de la dernière scène, en attirant l’attention sur Enoch, la précieuse curiosité du grotesque. Un jour viendra peut-être où Stanton pourra finir dans un bocal comme celui-là. Le personnage de Cooper adorerait ça. Son interprétation est consacrée par un long plan de désespoir total, après avoir été le seul à assister à la meilleure blague qu’il ait jamais entendue.

Né ou fait, le Stan de Cooper est un geek en chair et en os, d’un forain à un autre. Le mentalisme est démodé, et l’ancienne tête d’affiche a évité les retombées du racket des fantômes pendant bien trop longtemps. Il est venu de la frange extérieure de la société, a échangé la montre qu’il a volée à son père contre une dose d’alcool qu’il jure ne “jamais” toucher, et le sang de poulet commence à avoir de l’allure. Les lecteurs psychiques ne voient jamais ce qui leur arrive, un pigeon naît tous les jours, et Stan est juste un autre idiot. Il n’a pris que deux jobs dans sa vie, et celui-là n’a pas l’air d’être temporaire. Il n’y aura pas un autre geek pour venir prendre sa place. Ça a toujours été son destin.

Le réalisateur Goulding a été obligé d’ajouter une scène supplémentaire au film de 1947 afin de donner l’apparence d’une sorte de fin heureuse. Le Stan de Power craque sous la pression d’être un geek. Il regarde ce verre à shot avec autant d’avidité que le rami cassé de Cooper, mais il essaie de s’en sortir. Il est fait pour ça, monsieur, il n’est pas né comme ça, comme le type qui a chanté avec Lady Gaga. Dans la scène finale, le Stan de Power est comme le monstre attrapé dans la ruelle dans American Werewolf in London. Mais au lieu d’être tué par des forains en colère, Molly le calme et lui promet de s’occuper de lui. Même les films noirs les plus sombres de l’époque devaient donner l’apparence d’une possible rédemption.

Pièce d’époque vs. film contemporain

Pour Nightmare Alley, Goulding a été influencé par le cinéma italien d’après-guerre. Son classique noir est un film néo-réaliste qui a été entravé par la censure hollywoodienne. Le film de Del Toro est libre de se vautrer de manière plus graphique dans l’immoralité nihiliste, et constitue une expérience cinématographique complète. Rien dans le film de 2021 ne se déroule en temps réel, la caméra bouge, l’action prend le pas sur le suspense, et la bande-son de Nathan Johnson est impressionnante, peut-être sa meilleure. Goulding a tourné dans un style documentaire, avec de longs décors statiques, et la partition de Cyril Mockridge est d’un minimalisme exquis.

Del Toro est un maître moderne. Ses films oscarisés, Le Labyrinthe de Pan et La Forme de l’eau, sont des classiques intemporels aux approches visuelles et narratives très différentes. Pacific Rim et Crimson Peak ont permis de repousser les limites du genre de manière inventive. Del Toro apporte du spectacle à Nightmare Alley alors qu’il s’agit en réalité d’un spectacle sous tente “un sur dix”. Cela rend le subterfuge sous-jacent trop littéral. La lueur ambrée est générée par ordinateur, et si les environnements évoquent l’espace entre la transcendance et la damnation, les décors sont plus élaborés et obsédants que réalistes. Le directeur de la photographie de Goulding, Lee Garmes, a permis au chaos naturel du désordre de la fête foraine, enveloppé de bâches et filtré par la fumée de cigarette et les ombres ordinaires, de créer sa propre menace sinistre.

Goulding sublime les connotations sexuelles en filmant les séquences de nuit dans l’ombre. Il utilise des cris subliminaux sous les sons de surface pour déduire la psychologie de rupture de l’espace intérieur. Del Toro explore visuellement l’univers avec un avantage technique plus impliqué que le gadget de séance le plus élaboré. Les deux films gazent le public aussi efficacement que Stanton. Del Toro amplifie les horreurs manifestes. Alors que le naturalisme de l’original évoque les évasions hallucinatoires plus profondes des ruptures et des percées psychologiques.

Le film de 1947 était implacable dans la documentation de la dégénérescence d’un homme corruptible. Il est censuré mais reste brut, comme le roman original. Del Toro laisse à peine ses acteurs jurer, limitant le langage grossier au minimum. Le film original soulignait que la plupart des gens ont tort d’interpréter “prendre le nom du Seigneur en vain” comme un juron, puis il flirte avec le blasphème subversif inhérent au roman.

Si les 40 minutes supplémentaires permettent à del Toro d’inclure plus de détails du livre, la version de 1947 est une distillation plus définitive de son esprit. Nightmare Alley est un grand film de del Toro, qui adapte de manière experte sa sensibilité magistrale de l’horreur au suspense noir. Il souligne pourquoi le livre est une source si importante pour l’adaptation cinématographique en le faisant sien, avec tout le respect dû à son histoire. Nightmare Alley (2021) est actuellement en streaming sur HBO Max et Hulu.

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